El género perdido

Me canso de ver más y más cintas de terror o suspenso en las que nada ocurre, nada resulta interesante, todo es efímero y superficial y esto hace que la película sea pobre en contenido, actuaciones, efectos y principalmente en su trama.
¿Qué mejor para los amantes de este género como yo que pegar un buen salto de la butaca ante un escena inesperada?. Ese precisamente parece ser el problema. Últimamente las cintas de “terror” que he visto no provocan ni la mitad de tal reacción. Los clásicos de terror como “Freddy”, “Jason”, “Scream”, “Los Critters”, “El Exorcista” ni se comparan con las producciones de hoy en día, y tampoco ha pasado tanto tiempo como para diferenciarse a groso modo.
También está el caso de las famosas “remakes” de los viejos clásicos, que son aún peor que las cintas nuevas de los últimos años. En vez de embellecer la historia con artificios tecnológicos y más contenido, lo único que hacen es hundirla al punto de hasta causar el rechazo del público que durante muchos años amó el clásico original. Algo similar me ocurrió con “King Kong”, que no parece una mala película pero sí inferior al gran clásico. Otro caso emblemático es el de “Cloverfield”, que si bien destaqué en su momento sus puntos positivos y detalles excelentes, me quedo toda la vida con el clásico.
Falta nada más que hagan remakes de remakes de remakes de remakes y así el cine estaría hecho. Sería el elemento que falta para la total destrucción del género y a su vez de la creatividad. Nunca le encontré ningún atractivo a hacer o ver remakes.
Sensación similar tuve al ver “Alien vs Predator”(al igual que "Freddy vs Jason"). Esa cinta es una obra maestra, pero no del terror, sino de los efectos y la carencia de sustancia y esencia. Tengo que reconocer que fue interesante ver a dos asesinos por naturaleza y referentes del género luchando con sus recursos y armas más características. Pero la verdadera cuestión es que no es una película de terror sino de acción, y situarla en ese género es lo más acertado que podemos hacer. Qué bien que se los veía en películas separadas, con tramas distintas y como monstruos diferentes, cada uno con su estilo, esencia y maldad características. Pero aquí no se los discrimina sino que son dos masas de carne y hueso (y ácido verde en el caso de Alien) tratando de demostrar quién es el mejor en todo esto. Y la verdad es que los dos son los mejores en lo que hacen, pero aisladamente.
Recuerdo una anécdota muy graciosa a partir de la cual se va a entender porqué soy tan exigente en cuanto a ser partidaria del buen terror. De muy chica me embriagaba de películas sobre extraterrestres hostiles que venían a la Tierra a matarnos. Los ataques eran tan perfectos que hasta causaban admiración, pero después de eso lo único que conseguía hacer era dar vueltas y más vueltas en mi cama sin poder pegar un ojo en toda la noche. Consecuencia de ello era pasarme a la cama de mis padres y allí si poder conciliar el sueño, como todo infante. He aquí un claro ejemplo de lo que estoy diciendo.

El gore y los zombies

La trama de los muertos caminando está demasiado trillada. Al ir al cine pretendiendo encontrar una buena cinta de terror, siempre vemos lo mismo. Si pensamos por un momento todos los títulos de este tipo de films, seguramente en un minuto se nos ocurren cuarenta. Y esto no se puede festejar. Es totalmente deprimente que esos cuarenta títulos se parezcan (por no decir que son exactamente iguales). Pero lamentablemente el género es rentable y accesible.
Con el gore (que no termina de ser terror) la sensación es distinta. En este género, relacionado por lo general con las cintas clase B o Z, todo puede ocurrir. Desde ver sangre en proporciones exageradas, hasta la más desmedida violencia, criaturas deformes caminando por la calle y todo lo inimaginable, digno de un director con mente retorcida. Pero esto no molesta, ya que el gore siempre toca temas muy variados. Para citar un ejemplo, la última película gore que me fascinó es “Planet Terror” o la espectacular “Death Proof”, que son relativamente actuales pero que distan mucho de las demás producciones gore. Quizá por el hecho de ser el resultado de dos mentes brillantes del género como son Quentin Tarantino desde “Kill Bill” y Robert Rodriguez, ambos del proyecto Grindhouse. También podría nombrar como buen gore a las cinco “Saw”, pero fue una gran desilusión ver que la historia continuaba como una burla al público y que se quería seguir con algo que ya nunca sería igual a la primera parte.
Resumiendo… terror propiamente dicho ya no hay, salvo raras excepciones europeas con mucho esfuerzo. Por ende ni me gasto en ir al cine a ver algo de este estilo, ni siquiera confío en los nuevos directores que nos brindan sólo vestigios de lo que fue el verdadero género. Obras maestras son las de James Cameron, Alfred Hitchcock, M. Night Shyamalan, y George A. Romero, entre otros, y a veces entra en esta categoría el suspenso de Stephen Spielberg con su "Cuentos Asombrosos".
Cintas como “The Grudge” y "Blairwitch” nunca tendrían que dejar de existir como claros ejemplos a seguir de una película de terror propiamente dicha, como manual de procedimiento, como el “know how” de la cuestión. ¡Que vuelva el verdadero terror! Que no es que haya desaparecido, sino que está escondido quién sabe donde, y que seguramente habrá algún director digno que lo sepa rescatar y devolvérnoslo.

El origen de todo

A Gavin Hood le salió todo redondo. La idea de volver la mirada hacia los orígenes de los mutantes más famosos mundialmente y hacer una precuela es un buen negocio, y más dirigiendo a Wolverine, el personaje más emblemático de la historia de los X-Men.
La cinta vista en cine es espectacular, con sonido envolvente, efectos certeros y un Hugh Jackman salvaje, desenfrenado pero enamorado. Esto es precisamente lo que los fans del comic quisieron encontrar.
Wolverine volvió con todo, más que volver empezó con todo. Su pasado resulta mucho más interesante que su presente, que ya es conocido por todos y es un factor constante. Wolvie siempre hace las mismas cosas, deslumbra, pero no cambia sus poderes ni su esencia. Aquí es diferente, se transforma constantemente, asombra con cada escena.
La trama se desarrolla con el tiempo justo y es muy completa. Estamos acostumbrados a Hollywood, a ver los hechos como si estos estuvieran jugando una carrera contra el tiempo, y aquí no podría decir lo mismo. Los toques de humor son los adecuados para una cinta de estas características, que a veces necesita algo distinto en medio de tanta fantasía que hubiera aburrido un poco, hay ciertas tomas románticas y una variedad de actores muy amplia cuyas apariciones son magnificas.
Las escenas donde se muestra al hermano de Logan son formidables para la combinación de dos animales en la trama. Esta aparición se contradice en su contenido, pero esta contradicción es la que después nos hace entender muchas cosas. ¿Este personaje está a favor o en contra de su hermano?, ¿Cómo se hace indestructible Wolvie?. Demasiados interrogantes que no se solucionan hasta después de la mitad de la cinta.
Wolverine también nos trae otra clase de dudas que pueden bajar unos puntos a la cinta.
En primer lugar, cada vez que Wolvie clava sus garras en el cuerpo de otro estas salen limpias, es decir sin sangre. Los poderes de los mutantes seguían vivos a pesar de ellos estar muertos. Y así sucesivamente. Esto podemos atribuírselo a la “magia del cine”, pero no creo que esa excusa encuadre esta vez.
Sólo queda disfrutar de la cinta, contemplar con atención los personajes y dejarse llevar por la magia de Wolverine, que enriquece mucho al film sin la necesidad de recurrir a los otros X-Men. Impactante, impresionante, Hugh Jackman increíblemente bien personificado, peliculón… pero ojo con los errores. Verla es una mezcla irremediable de sentimientos. Hay veces en que nos parece una cinta excelente, pero hay otras en que le cambiaríamos más de una cosa.

--- SI ---

El otro cine

Después de meses de carecer de inspiración alguna para comentar films (mas no de apreciarlos) he decidido hacerle una cálida mención a uno de los festivales de Cine Independiente más destacados de los últimos tiempos.
Sin duda, el BAFICI (este año el número 11 - del 30 de marzo al 5 de abril) se vuelve cada vez más interesante con el paso del tiempo. Y más aún para los estudiantes, atraídos por su “casi gratis” ticket para disfrutar de las más extrañas obras de arte del cine independiente.
Llegué al Abasto sin interiorizarme acerca de los nombres ni de los horarios de funciones de las películas. Sólo hice lo que hago año tras año: al llegar, me siento en uno de esos inmensos sillones de la sala del shopping, agarro el catálogo y comienzo a pispiar los nombres. Hay para todos los gustos, pero coincidí con mis compañeros en ver “Iraqui Short Films”, una estremecedora cinta que no fue filmada, sino recolectada escena por escena cual rompecabezas por su “director”, y editada para su proyección final en este certamen.
Cinta de casi dos horas y media de duración, extensa en sus tomas, con ausencia de banda sonora, pero todo esto se justifica. Por más que las escenas no desparramen sangre, no muestren cabezas cortadas ni muertos, la contundencia de ellas nos llega (y llena) al mismo tiempo.
Al charlar con su mentor al final de función entendí el porqué de todo este alboroto cinematográfico. Él no necesitaba ni deseaba mostrar la violencia de la guerra entre Irak y los Estados Unidos, material que puede encontrar cualquiera de nosotros en internet, sino que se focalizó en mostrarnos la mentalidad y psicología de cada uno de los bandos con imágenes viscerales. Allí es cuando comenzamos a entender el suceso de una manera muy distinta, a ver las aberraciones tal como suceden, sin filtros, pero con ninguna idea ni concepto directo, todo se nos insinúa, es implícito y hay que saber encontrarlo, mirarlo e interpretarlo.
Ya con los fuertes ruidos, las explosiones, los escasos diálogos y festejos nos hacemos la idea de que en realidad no entendimos nunca la guerra, no le dimos la gravedad que merecía, porque solemos ser y tomarnos las cosas así, de lejos, con más prejuicios que razones fundamentadas.
Desafortunadamente esta cinta no se podrá encontrar en los grandes clubes de video, ni en el cine convencional, sólo su dueño la tendrá en su poder y no realizará copias. La idea de este tipo de cine también se basa en eso: en conservar el trabajo propio, atesorarlo y no hacerlo demasiado público, en otras palabras, no enriquecerse con ello, sino de ello, de su labor como director, de pertenecer al certamen y de hacernos llegar a todos nosotros un cine distinto, un cine que la mayoría de nosotros nunca ve.

Cuando la imaginación libera el alma

Todo lo que queda de Jean-Dominique Baudy es su cabeza… su mente tan consciente y despierta no lo lleva a la desesperación ni al suicidio ante su inminente situación.
Conserva intacto su espíritu activo, sus ideas e inspiración fluyen mejor que nunca y su ojo izquierdo le permite ver las cosas de distinta manera.
Jean-Dominique (Mathieu Amalric) tiene 43 años, era el redactor jefe de la prestigiosa revista francesa Elle y su vida parecía destinada al éxito eterno, con una vida asegurada por el dinero, su familia y su trayectoria internacional. Pero el destino de una persona puede cambiar y de la manera más aterradora. Luego de una terrible embolia, posterior infarto y parálisis total, lo único seguro que tiene además de la muerte es su imaginación y su memoria, las cuales le permiten no sentirse tan prisionero de su propio cuerpo.
Jean padece de “síndrome del cautiverio”, según lo que le diagnosticaron los médicos, e intentará por todos los medios de ir más allá de todo, viajando con su mente a los lugares más hermosos del mundo, en compañía de las personas más significativas en su vida, y contando palabra por palabra la aventura de un personaje tan famoso como desdichado, postrado en una cama de hospital, con asistencia hasta para respirar.
Es así como decide escribir un libro “Le Scaphandre et le Papillon” (“La escafandra y la mariposa” del mismo nombre que la película) inspirado en sí mismo. Describirse tal cual es por dentro, pero con las diferencias y carencias físicas actuales. El tacto, gusto y habla vuelven a existir para este hombre caído físicamente pero erguido espiritual y mentalmente que sufrió un desgracia pero que al mismo tiempo volvió a nacer.
Claude (Anne Consigny) escribirá cada palabra, cada párrafo y cada página de su historia, y encontrará en él el mejor compañero, el hombre más tierno, la persona más fiel y el mejor autor y escritor de todos los tiempos. Letra por letra irá hilando esta historia que deja mucho más que un sabor amargo en la boca; nos deja la terrible sensación de que con la imaginación se puede construir cualquier cosa que deseemos por más dura y triste que sea nuestra situación o circunstancia de la vida. Siempre hay un camino, una claridad al final de él, alguien que nos guía y nos ilumina en el laberinto de incertidumbres. Claude fue contratada para cuidar de Jean las 24 horas del día, llevarlo de paseo, hablarle, incentivarlo a escribir, ayudarlo a terminar su misión antes de morir, y entre ellos nacerá una profunda y tierna relación. Claude fue elegida como la persona indicada para pasar los últimos momentos con Jean.
Los tratamientos, los médicos, los estudios diarios… todo eso lo ha cansado al punto de desear desde lo más profundo liberarse de su “escafandra” y poder batir sus alas cual “mariposa” que recién comienza a explorar un nuevo mundo usando todo lo imaginablemente posible.
Impresionante caracterización del actor, increíble su actuación, su cálida voz, su diálogo, conmovedoras expresiones, escenas que ponen la piel de gallina; realmente su mejor papel, sumado a una banda sonora excelente, de la cual se destaca Ultraviolet (Light my way) de la banda irlandesa U2, acorde y relacionada, también presente en el web site oficial de la película: www.laescafandraylamariposa.es
Con 4 nominaciones a los Oscar (mejor director: Julian Schnabel , mejor guión adaptado, mejor fotografía, mejor montaje), Festival de Cannes (mejor director y ganadora de dos Globos de Oro (mejor película extranjera y mejor director), esta cinta francesa se lleva los méritos de los exuberantes exteriores de playas y terrazas, una ambientación excelente y dramática, y simbolismos por doquier (lo mejor del film).
Entonces… ¿cuándo fue la última vez que una película cambió tu forma de ver la vida?

--- SI ---

Un reloj que da vuelta hacia atrás

Lo esencial de una cinta no es su duración. Lo más cautivante puede ir desde la banda sonora que llena todos los espacios hasta las caracterizaciones, desde la ambientación hasta los increíbles exteriores y el vestuario que los acompañan a la vez de resaltarlos.
“The curious case of Benjamin Button” (“El curioso caso de Benjamin Button”) de David Fincher (adaptación de la novela corta que Scott Fitzgerald publicó en 1921) cautiva hasta en los créditos finales, con suaves melodías de jazz, un Brad Pitt extremadamente emotivo e inocente, una historia tan fuerte como dramática y un realismo que sobrepasa los límites de lo creíble.
Las primeras escenas confunden. Nos dan la sensación de que nos hemos equivocado de sala y veremos otra película. Daisy (Cate Blanchet), una anciana que agoniza en un hospital junto a su hija, decide pasar sus últimos momentos contando la historia que más marcó su vida, símil de novela que narra la historia de un reloj que da vueltas hacia atrás y que juega con el tiempo y con las emociones del espectador.
Esta historia, narrada en 2005 pero originaria de 1918, tiene conexión con Benjamin (Brad Pitt), que ha nacido distinto a todos. Es un bebe de 90 años de edad y por eso su padre decide abandonarlo en la puerta de una casa. Es encontrado por una familia de un hogar de ancianos donde vivirá hasta que encuentre sus verdaderas motivaciones en la vida y parta a vivirlas solo.
Esa mujer que lo encuentra mojado, friolento, solo en la oscuridad y llorando a gritos, se convierte en su madre hasta la muerte. Aquí se apostó a la focalización en un punto fuerte: ella es la única que no se asusta cuando lo ve y decide hacerlo parte de su vida y su familia haciendo añicos todo prejuicio absurdo. No es casual la frase que vemos en el afiche del film, en el que ella sostiene a Benjamin muy cálidamente: “He was pretty as any picture to me”. Pero detrás de sí, Benjamin deja algo más que sólo una madre que solloza, deja una historia de amor que tiene como protagonista a una mujer que ama y que amará toda su vida, pero con quien por el momento no concretará nada por razones obvias: la diferencia de edad.
Con el paso de los años, Benjamin se va poniendo cada vez más joven y apuesto, y su visión de la vida es un interesante análisis desde el otro lado de las cosas, sobre la vejez, el amor (casi) eterno y el momento previo a la muerte no como una cruz sino como el comienzo de otro estado, y como una etapa que es muy similar al nacer.
Cate Blanchet: realmente se luce desde que aparece en pantalla y está increíblemente personificada, tanto de joven como de anciana. Su piel perfecta, sus ojos intensos, su cuerpo esbelto y su rostro de estilo irlandés aportan una magia inigualable.
Brad Pitt: excelentemente caracterizado como anciano, casi irreconocible en su contextura física y hasta en su voz (increíblemente reducen el tamaño de su cuerpo e imposta la voz sutilmente). Su mirada inocente, su cabello plateado y sus toques de humor revelan al personaje que permanecía oculto dentro de él, pero que en la cinta cautiva y atrae desde el comienzo.
Nuevamente el cine nos deleita con esta pareja que nos mostró su esencia y su química en “Babel” de Alejandro González Iñárritu. Es por eso que el éxito de la cinta estaba de alguna manera asegurado (candidata a 13 premios de la Academia, que incluyen Óscar a la mejor película, al mejor director, al mejor actor y a la mejor actriz de reparto).
Nada es para siempre, todo cuesta el doble y se desea el triple, todo pasa en cámara lenta, nada parece concretarse, pero en off escuchamos una voz temblorosa casi fascinante y con acento pseudo inglés que nos mete de lleno en la trama y nos sorprende en cada escena.
A pesar de sus 159 minutos, la película los justifica. Para relatar una historia como esta “el tiempo es lo de menos”, si nos dejamos llevar nos convertimos en parte de cada escena, y nos sentimos tocados por la profundidad de las expresiones y los intensos diálogos. ¡Excelente!.

--- SI ---

Del Titanic al desamor

Uno destina mucho tiempo de su vida a tratar de entender las relaciones humanas. Cómo funciona la pareja, cómo inventar algo cada día para renovarse e innovar todo el tiempo, para que nada sea igual que ayer.De eso habla “Sólo un sueño” o “Revolutionary Road” en inglés, del prestigioso director Sam Mendes (marido de la protagonista) y nominada a tres Oscar, sin contar los cuatro ganados. Ambos títulos se refieren a la misma película pero distan mucho de aludir a la misma trama. El título en español nos trae a una pareja que día a día busca pretextos para volverse a enamorar por no pasar por la mejor de las épocas, y porque tener hijos los ha separado últimamente.En cambio, el título con estilo inglés para algunos seguramente rememora el estilo de pareja de los años ‘50, porque así está ambientada esta cinta, que recorre las desventuras de una ama de casa que quiere aventurarse al mundo laboral en un momento en el cual la mujer quedaba relegada en su casa y se dedicaba sólo a limpiar y cuidar a sus hijos; y de un padre y marido que cualquier mujer quisiera tener, pero que no puede concretar el hecho de hacer feliz a su esposa, además de ser infeliz él con su trabajo. Todo esto transcurre en el pasaje “Revolutionary”, calle donde se mudaron desde los suburbios hace poco tiempo.¿Todo demasiado intrincado para los años ‘50 no?, época en la que nuestros padres y abuelos estaban en la flor de la vida, en la que se casaban temprano y el marido les duraba para toda la vida.Realmente no es así como se pinta la situación: la infidelidad, la superficialidad y el contaste aparentar no es algo característico de los tiempos que corren, por más que digamos lo contrario, sólo que en los ‘50 se creía que se tapaba el sol con un pulgar. Todo era apariencia e imagen, por lo menos en la mayoría de las parejas. Es así como se desencadena una serie de hechos en el seno de esta familia, que comienza con la ilusión de un viaje a París y la esperanza de un futuro mejor: según la cinta, se entiende por “futuro feliz” que ella se desempeñe como secretaria para el Estado, y él aguarde un trabajo mejor que el que tiene, mientras lee, busca su yo interior y es mantenido por su mujer. Esto desencadenará una serie de prejuicios a su alrededor.Este drama, que juntó merecidamente a la pareja de la famosa “Titanic”, ahora nos regala un Leonardo Di Caprio un poco avejentado pero terriblemente emotivo, bien logrado, con un excelente papel en el cual ni se nota su diferencia de edad con Kate Winslet, quien interpreta a la desesperanzada e infeliz April que nos hace acordar tanto a las mujeres casadas como él a los maridos luchadores e incansables. Esta pareja tiene una química especial y hace que esta apuesta cinematográfica realmente valga la pena. Juntos son avasalladores, se combinan a la perfección y le dan a la cinta un toque distinto. ¿Quién iba a imaginárselos peleando?, si en Titanic eran dos tórtolos alocados y perdidamente enamorados. Aquí es todo muy distinto. Hay que prepararse de antemano para verlos en escenas tan fuertes como certeras. Sumado al hecho de que Leo haya confesado que le resultó muy difícil besar a Kate en la filmación delante de su marido.De final poco predecible, la película va más allá de una simple historia de pareja, y recorre la psicología de los personajes, toca temas como la amistad, la infidelidad, la libertad y la decisión de tener hijos. Nos saca un lagrimón de vez en cuando, y no evita que nos sintamos totalmente identificados en todo momento. Idas y vueltas del matrimonio, el típico mal humor cuando las cosas no marchan como lo esperamos, las ilusiones que nunca se cumplirán y una sonrisa nuestra al traernos tantos recuerdos a la cabeza.Banda sonora excelente, dramatismo puro, expresividad a flor de piel, y una escena dura pero realista: un enfermo mental amigo de la familia va a cenar a la casa de los Wheeler y explota fervorosamente mencionando una por una las miserias de la vida, la infelicidad, el matrimonio y las personas en general. Excelente!

--- SI ---

El nuevo Drácula

Bella Swan (Kristen Stewart) una chica simple y solitaria, un poco nómade, pero común y corriente. Al principio no tiene nada fuera de lo común salvo por su belleza y su pelo rojizo. Concurre a la escuela secundaria como todos los días y tiene un pseudo grupo de amigos con los que pasa el rato.
Todos parecen los típicos adolescentes yanquis que pasan la mayor parte de sus vidas en el colegio, hablando sólo del baile de graduación y buscando pareja para el mismo. ¿Una historia como tantas otras?, nos preguntamos. Pero antes de respondernos lo vemos entrar a él: pálido, de rasgos duros, alto y con mirada penetrante. Edward (Robert Pattinson) y su familia (Los Cullen) resaltan del montón y se sientan del otro lado de todo, mirando, como si tuvieran un arrepentimiento que esconder. Los demás solo los miran con desprecio y los consideran freaks.
Dos tipos distintos de ser humano empiezan a interactuar en un mismo hábitat como dos especies de animales que compiten por la supervivencia del más apto.
“Twilight” (“Crepúsculo”) de Catherine Hardwicke no es una historia más de vampiros, esta es “la” historia de vampiros. Dista mucho de “Buffy” y “Angel”, las famosas series que devorábamos de más chicos.
Esta historia relata las desventuras de un amor imposible que trasciende las barreras de lo imaginable. La confianza y la protección del ser amado están a flor de piel.
Pero todo tarda en darse, todo se toma su tiempo para arrancar, pero ese tiempo es justo. La aceleración no pega con una historia de estas características, en la que todo debe detallarse y explicarse.
Los Cullen son raros, si, pero esta cinta los presenta como otra clase de vampiros arrepentidos, que elijen otras alternativas para alimentarse que no sea sangre humana. Pero a Edward le cuesta mucho resistirse a la sangre de… pero tendrá que hacerlo con todas sus fuerzas porque estaría asesinando a la persona que ama.
Pattinson es perfecto para el estereotipo de vampiro, sus ojos se tornan color miel, su piel brillante y es físicamente perfecto como símbolo de transformación. Otro dato curioso, puesto que dista mucho del personaje que encarnó en “Harry Potter y Cáliz de fuego”.
Lo interesante de su personaje es que es inestable (nos da la sensación de que puede ser el hombre más tierno del mundo pero a la vez tiene momentos de frialdad), le gusta la medicina, toca el piano y coleccionar autos.
Pero no sólo Pattinson encarna un personaje interesante. Toda su familia de ficción es realmente intrigante, y todos y cada uno tienen un don o particularidad que los hace únicos, además de una triste historia detrás.
Pero si de transformaciones vampirezcas hablamos, hay un punto en contra a mi parecer: el paso de humano a vampiro se efectúa sólo así, no hay más que eso. En realidad esperaba colmillos, ojos rojos, y mordedura de cuellos. Esta versión es mucho más tranquila, dado que es la adaptación del libro de Stephanie Meyer.
Igualmente están bien logradas las escenas de los saltos que pega Edward entre los árboles, la velocidad con la que corre y su inusual fuerza. Esta cinta es distinta a otras de vampiros, más típicas, predecibles e incluso a veces absurdas. Esta se merece un aplauso de pie. Y a esperar la llegada de las otras dos partes.

--- SI ---

Lejos de lo que se esperaba

La segunda parte de “Los Expedientes Secretos X” es poco prometedora, aunque resulta interesante por el caso policial en el que se basa. Pero tan sólo es eso, un caso en manos del FBI y allí culmina y muere la cinta.
Si bien es un caso bastante particular que requerirá la ayuda y la experiencia de la Dra. Dana Scully (Gillian Anderson) y el agente Fox Molder (David Duchovny), bien podría ser resuelto tal y como se lo presenta al principio. La primera escena es en medio de la nieve, con rastrillajes, perros y policías trabajando arduamente. De un momento a otro un hombre se arrodilla y descubre que enterrado se encuentra un miembro humano extirpado. Esto obviamente no sorprende, nos intriga y nos convence de quedarnos hasta el final.
¿Pero qué tiene que ver esto con los “X Files” tal y como los conocemos?, ¿En qué podrán ayudar Scully y Molder?.
Y la respuesta es: en nada. Estos dos agentes ahora alejados de todo eso (ella trabaja en un hospital y sigue de cerca el estudio de un complejo tratamiento para un menor, y él relegado en su casa, barbudo y avejentado sin ganas de volver al FBI), son llamados para colaborar en este caso un tanto indescifrable. Molder es convencido por Scully para volver a su antigua labor, pero todo se da vuelta después. Ella se arrepiente y él sigue.
La cinta es destacable quizá por su psicología interna. Fox decide meterse de vuelta en este tipo de casos misteriosos por seguir la convicción de que “necesita creer” en lo que está haciendo debido a lo que le sucedió a su hermana hace largo tiempo (tema que ya es tocado en la serie original). Dana opera al niño con un método poco convencional que ella misma investigó sin ninguna seguridad, pero encarna a su hijo perdido en él y no se permite dejarlo morir, por eso “necesita creer”, estar segura de sí misma y no darse por vencida. No en vano el nombre de esta segunda película que nos propone el director Chris Carter se llama “I want to believe”.
Como vemos, todo está relacionado, intensamente conectado. Pero sigo sin poder ver el fondo de la cuestión. ¿Cómo se relaciona todo esto con los Expedientes X?.
El único vínculo que encuentro es que en medio de todo este embrollo de datos, sospechosos y misterios hay un hombre que tiene visiones y que se conecta profundamente con las víctimas de un asesinato en serie. Sabe donde están, cómo se sienten y si están vivas o no. Este hombre es el padre Joseph, acusado al mismo tiempo de pedofilia. Pero este es el hombre que, arrodillado en la nieve, encuentra las evidencias.
Todo muy mezclado para mi gusto, todo muy tirado de los pelos convirtiendo la película en una cinta digna de ser vista como caso policial, pero que no tiene nada que ver con la Scully y el Molder de la serie.
Algo muy parecido me pasó al ver la primera producción cinematográfica de los expedientes. No lograba entender todo, cada detalle, pero por lo menos había una relación aparente entre ella y la serie: una infección masiva que se había desatado entre los humanos con tinte paranormal.
Igualmente no se hicieron buenas producciones después de la serie, se intentó hacer algo completamente distinto y no se cumplió con las expectativas.
Me quedo mil veces con la serie que devorábamos de más chicos.

--- NE ---

De vuelta perdidos...

Desde los primeros días de enero empezamos a disfrutar nuevamente del color y la alegría de esta segunda entrega de "Madagascar".
Esta vez el film está focalizado principalmente en escapar hacia el zoo de Nueva York que fue durante mucho tiempo el legítimo hogar de este grupo de alocados animales.
Pero esta película no comienza en la parte donde se quedó la anterior, sino que su inicio es muy particular. Se refuerza la idea del desarraigo que sufren los animales sacados de su hábitat natural para dirigirlos directamente a un zoológico. Así se empieza relatando la historia de nuestro tan querido Alex, el león, desde chiquito. Además se refuerzan una y otra vez las ideas de amistad y compañerismo pase lo que pase, y la simpleza con que viven sus vidas es admirable. Son la representación de valores ya perdidos en este mundo, de cosas que ya no van a volver.
Hay que reconocer que el principio desorienta un poco, pero no deja de ser divertido, un tanto emotivo y distinto a lo visto anteriormente.
Esta segunda parte no es mejor ni peor. Siempre hay aspectos a resaltar en películas de este tipo. Madagascar es una obra maestra para chicos y grandes, ya que, como sabemos, la cinta cuenta con partes muy bien logradas pero que lógicamente los menores de 10 años no entenderían.
Igualmente disfrutar de esta película en cine es algo monumental. El sonido es excelente, además del color y las voces dobladas (aunque es muy importante también verla con las voces de los actores originales, que van desde Ben Stiller, pasando por Chris Rock y David Schwimmer de la famosa serie "Friends").
Se adicionan en esta entrega personajes nuevos, como los simios comunistas, nuevas manadas de animales, un hipopótamo seductor y una nueva aventura: se han quedado varados en África en su intento por escapar de Madagascar, pero su estadía allí no será tan mala.
Nos encontramos con nuevas revelaciones, la misma banda sonora característica, la misma esencia de los personajes pero nuevas historias que renuevan la cinta y doblan la apuesta.
Conserva los excelentes golpes de humor de la cinta anterior, en especial cuando se encara el tema del cruce con los humanos. Por un lado, cuando son interceptados por un ship de safari, y por el otro, cuando Alex se esmera bailando ante ellos y esto impide que lo maten. Brillante!
Mas colorida, emotiva, risueña, un poco inocente, dulce y reflexiva.
Como dato destacable: las expresiones son de lo mejor. Disney y Pixar son los responsables desde Toy Story de hacer posible que el cabello parezca verdadero, que los ojos se llenen de lágrimas casi reales y que los movimientos sean perfectamente realistas. Con ellos el zoológico se vuelve una fiesta y África se viste de color. A dejarse llevar por su magia.

--- SI ---

Rodríguez+Tarantino= mezcla explosiva

¿Qué decir de “Planet Terror”?
Esta impresionante cinta de Robert Rodríguez que le rinde culto a “Grindhouse” y a “Death Proof” de Quentin Tarantino, es una obra maestra de sadismo puro, chorros de sangre y repulsivas criaturas.
Su trama se basa principalmente en lo que estuvimos viendo durante los últimos años: una infección letal de la que nadie se salva, pero esta es aun más asquerosa y cruel.
Desde humanos deformes hasta muertos vivos caminando con grandes coágulos en su cara que cada dos por tres explotan y salpican.
Pero esta película va aun más allá. Rodríguez se animó a jugar con un tópico peligroso y lacrimógeno: la infección fue causada por el mismo Ben Laden ahora asesinado. ¿No es lo más loco y volado que hemos escuchado?.
Esta cinta nos ofrece todos sus costados: un terror gore al estilo de los dos directores, que a la vez da risa de cómo está planteado, pero que no cae en el absurdo y acompaña a la perfección todo el desarrollo, ya que hay escenas que se prestan verdaderamente para algún que otro chiste de humor negro. Caemos en la cuenta de que nos estamos riendo de una persona atropellada ferozmente por un camión, pero lo mejor es que es el triple de sangriento y exagerado.
Por otro lado, nos brinda historias variadas dentro de su trama: la de una bailarina stripper (Rose McGowan) que es atacada por un zombie quien le corta una pierna, la de su ex novio “El Wray” (Freddy Rodríguez- no es pariente del director) con quien se reencuentra después de un tiempo en una vieja parrilla del barrio y quien también le coloca una potente arma de fuego que hace las veces de muslo, la de una enfermera lesbiana (Marley Shelton) que trabaja junto a su marido médico a quien ya ni soporta, y la de un militar infectado que busca su propia cura (Bruce Willis).
Willis hace una de las apariciones magistrales, otras están a cargo de Fergie, cantante de Black Eyed Peas, Naveen Andrews ya visto en varias producciones como Lost (Sayid) y Moisés con papeles secundarios, y el mismísimo Tarantino encarnando a un militar despreciable y degenerado.
Esta película parodia producciones de terror de directores como George A. Romero y Lucio Fulci y juega con un estilo setentoso: la cinta tiene imperfecciones de imagen (las clásicas rayas que aparecen de la nada), la fotografía ultra quemada, los saltos del rollo y, algo que me fascinó: el corte de una escena erótica parodiando la pérdida del rollo. En los años ‘70 e incluso ‘80, los directores no dejaban de filmar este tipo de escenas, sólo que “cortaban” los rollos de película a modo de censura y para uso personal, y pidiéndole luego disculpas al público en la proyección. Por lo general, en la escena siguiente a la cortada, todo había cambiado, las parejas se habían unido, algunos ya habían muerto y otros se habían transformado.
La banda sonora resultó ser impecable, excelente. Cuesta olvidarse de la escena en la que Cherry, la stripper coja, va corriendo por el pavimento empapado de zombies muertos y sangre, sus pasos acordes con la música, y salta traspasando un paredón para atacar al ejército de infectados al otro lado. Esa escena es una de las mejores de la cinta, sin dudas.
Es curioso, todo parece exagerado, fingido, grandilocuente, y creo que realmente se quiso dar esa impresión. Todo es adrede, no hay nada casual, todo forma un combo perfecto de imágenes, sensaciones y sonidos que se combinan sin aburrir, sin sasear, porque al salir de la sala queremos más.
Planet terror, turbia, agonizante, exagerada, perversa y con un trabajo impecable.

--- SI ---

Otro remake pero muy particular

“El día que la Tierra se detuvo” (“The Day The Earth Stood Still”) de Scott Derrickson, se podría analizar de dos maneras muy disímiles.
La primera sería desde el punto de vista de la ficción tal como se presenta. La Dra. Helen Benson es llamada por la NASA junto a otros científicos e ingenieros con motivo de un tema de interés nacional y de secreto profesional. Una gran esfera brillante ha aterrizado en la Tierra. Cuando los científicos se acercan y tratan de tener algún contacto con ella, de repente se abre y aparece una extraña criatura que finalmente es herida de bala por uno de los oficiales del equipo. Se lo llevan al quirófano para intervenirlo e investigarlo y descubren que en realidad no es un alienígena, tal como todos creían.
A partir de aquí comienza una historia intrigante que suma misterios e incógnitas más que aclararlas. La película de por sí en lenta, si bien el aterrizaje de la esfera se da bien al principio, las explicaciones acerca de quién es la criatura se toman su tiempo, y eso quizá no es un costado positivo de la película, porque en ocasiones no se entiende nada.
Pero ese es el momento en el cual uno dice “vamos a darle otra oportunidad, todas las cintas en algún momento desorientan”. Pero no fue así hasta bien entrado el final y eso baja puntos.
Esta producción (aún en cine) no deja de ser una película de ciencia ficción a lo Armageddon o Impacto Profundo, con muy buenos efectos y buenos actores (Keanu Reeves y Jennifer Connelly) que en realidad dan para otro tipo de películas. Una lastima!.
El segundo aspecto a analizar (aisladamente) es su mensaje. A mitad de la cinta nos empezamos a dar cuenta de que da para pensar. La temática no es variada, sino que hay una sola apuesta y es quizá por eso que esta producción pisa fuerte en este aspecto: la ecología y el medio ambiente maltratados por el hombre con sus descuidos y negligencias, y ello resulta en el impacto ambiental de estos tiempos. Esto tiene que ver con que se supone que las esferas misteriosas no vienen a exterminar la raza humana como lo haría todo alienígena hostil, sino a salvarla. Este tema está muy bien encarado, ya que parten de la premisa de que el ser humano no es capaz de cambiar su actitud de maltrato a menos que esté al borde de la extinción cercana. La naturaleza del hombre es así y ya no puede darse otra oportunidad para el cambio, ya fue dada hace un tiempo y se la desaprovechó. Esto nos entra en la cabeza y se queda allí, a pesar de que el final no sea el mejor por su corto desarrollo y escasa información. El desenlace se nos presenta veloz sin que podamos realmente admirarlo, convirtiéndose en pobre.
La cinta es certera, pega duro, es un llamado a la reflexión, un grito desesperado de ayuda del mundo, y ahora… como está dado todo, un manotazo de ahogado de la naturaleza.
Lamentablemente seguimos siendo testigos de más y más remakes y es evidente que el cine de Hollywood no apostará a nada más que eso, por lo menos por ahora.

--- SI --- (por su cálido mensaje)

La vida (in)justa...

La vida a veces nos juega una mala pasada y nos separa de las personas que más amamos y nunca queremos dejar.
Pero la vida no actúa sola, sino con el destino, quien se encarga de digitar al menos parte de nuestra existencia.
A pesar de que a veces pensemos que esto es injusto (lo es) y que no lo merecemos (es correcto), todo lo que nos pasa tiene su razón de ser.
Y eso va pegado a otra cosa: a ser “Digno de ser”, a encontrar lo que somos, a elegir qué camino tomamos y con quién lo transitamos.
La cinta francesa del mismo nombre en español (“Va, vis et deviens”) dirigida por el rumano Radu Mihaileanu, se remite precisamente a eso además de tocar temas que van desde la situación de hambre y desnutrición en África hasta cuestionar a los judíos en muchas de sus actitudes.
Esta apuesta es fuerte, reflexiva y completa. No se decir qué elemento le falta para ser perfecta.
Desde el comienzo la trama ya viene dura: Schlomo (Yael Abecassis), un niño de un pueblo de Etiopía, es “dejado” por su madre que en realidad pretende salvarle la vida para que llegue a ser alguien en algún otro lugar haciéndose pasar por un judío. Esto es el proyecto Moisés, que consiste en la inmigración de judíos a la “Tierra pometida”.
El chico pasa por varias madres hasta que encuentra la familia ideal, la que cualquier hijo quiere tener y la que logra quitarle antiguas espinas.
Pero Schlomo es paciente y esperanzado, le habla a la luna, a la cual personifica como su madre y cada día le reza una oración distinta con las ansias de reencontrarse con ella como uno de sus asuntos pendientes.
La película claramente es un drama muy bien logrado que emociona hasta los huesos y conmueve hasta las lágrimas y que trata los temas más duros desde que la humanidad existe: la discriminación, las guerras de religión injustificadas, la sangre derramada, el desarraigo y el miedo a avanzar en un mundo que no parece pertenecernos.
Schlomo hasta se enamora, pero la ausencia de su madre lo marca demasiado como para volver a arriesgarse y entregar su vida a alguien.
La película es psicológica, pero no sólo nos propone ver la mentalidad del personaje, sino que juega con nuestros sentimientos, especialmente en la última escena de final inesperado. Me voy a detener particularmente en esta: ¿cómo decirlo?… extremadamente fuerte, excelente, y uno se queda con el corazón en la boca, con una especie de amargura interna. Y así es como empezamos a entender o valorar muchas mas cosas: el papel de la madre en nuestras vidas, que se puede empezar a cambiar este mundo con sólo un granito de arena de parte de cada uno, y de que luchando por lo que queremos o ansiamos al fin la vida nos recompensa… pero después de tanto tiempo, el destino quizá quiso que Schlomo creciera para poder afrontar lo que venía.
Una historia realmente fantástica como pocas, plagada de simbolismos, con banda sonora excelente y escenarios naturales, actores inmejorables y con una trama que da para hablar.
Cautivante por donde se la mire.
Apostemos a este tipo de cine.

--- SI ---

Una señal... aburrida

“La señal” está ambientada en los años 50, en medio de un contexto político bastante caldeado no sólo con la reciente muerte de Eva Perón. En este sentido, la puesta en escena, el vestuario, la fotografía y la banda sonora son inmejorables, ideales para ponernos a tono con la época. Incluso de han alquilado distintos accesorios para la filmación como así también automóviles de colección.
Pero el resto deja mucho que desear. Con una trama pobre, poco original y un final anunciado desde la mitad de la cinta, se puede decir que los actores con los que cuenta son un desperdicio para esta producción. Es una verdadera lástima ver a Ricardo Darín (Pibe Corvalán), Julieta Diaz (Gloria) y Diego Peretti (Santana) encarnando papeles carentes de fuerza, carisma e intriga.
Corvalán y Santana son socios en una agencia de detectives desde hace tiempo pero no son los mejores en lo que hacen. Varios casos les han salido mal y trabajan por un salario mínimo hasta que se meten en problemas por Gloria, una misteriosa mujer que ha contratado a Corvalán y lo ha metido en un juego sucio de poder y ambición. Aconsejado por su amigo y socio, hace oídos sordos al pedido de retirarse de la investigación.
Como se supone, hay mucho dinero de por medio, pero se exponen a los ojos de la mafia y sus vidas corren peligro. Corvalán termina entre la espada y la pared por enamorarse de Gloria, que le cuenta poco y nada acerca de ella ni del caso. Corvalán trabaja a ciegas pero engatuzado con ella.
La cinta dura una densa hora y media, y la trama no ayuda a pasar con gusto ese tiempo. La historia se torna densa, con pocos puntos de giro, poca acción y un suspenso ausente. Aburre casi desde los primeros minutos y no se entiende nada hasta casi llegado el final, el cual como dije antes, se intuye perfectamente.
La mayoría de las producciones del cine argentino se caracterizan por ser lentas en el tiempo y por aportar pocos datos en un periodo muy largo. Este es el caso, porque en realidad la manera de tratar el tema no amerita que la cinta lleve casi dos horas. La clave de toda buena película es “retener” al espectador los primeros minutos para que luego se siga interesando en el resto de la cinta. Esta producción no llega a lograr ese cometido, poniéndolo en la obligación de continuar viendo la película sólo para ver cómo concluye, aunque sea muy a su pesar.
El único dato a destacar de esta producción es que tras la muerte del director Eduardo Mignona, Ricardo Darín tuvo la difícil tarea de continuar con la realización del film junto a Martín Hodara.
Lenta, poco original, sin aportes interesantes ni vuelcos. Un intento de thriller y drama argentino que no desafía, no sorprende ni entusiasma.

--- NE ---

Precaución: la 5º se viene fuerte

Ahora es mi turno... después de que mis colegas bloggeros dieran su veredicto crítico acerca de la cinta, finalmente fui al cine a verla y expongo mis aspectos coincidentes y contrarios como amante del debate sano y con fundamentos.

La quinta parte de "Saw" me pareció interesante, prolija (como las cuatro anteriores) y sofisticada. En un principio me indigné cuando me enteré que una quinta entrega se estaba "cocinando", me parecía ya algo muy burdo y descortés para la historia de Jigsaw, pero me sorprendió en varios aspectos.

Esta edición nº 5 no avanza demasiado; luego de la muerte del personaje principal, todo sigue girando en torno al comisario Hoffman (Costas Mandylor) dueño de un legado de sangre, pero hay una cosa que sí se exclarece: el motivo de continuar con el trabajo de Jigsaw, y vaya justificación!...

La trama sigue siendo intrincada, aunque se desenreda cada vez más e involucra a otros personajes nuevos en el juego. Es como si David Hackl, su director, quisiera seguir reafirmándonos en la cabeza un mensaje que hace tiempo entendimos con las primeras entregas: una forma distinta de ver y tomar la muerte, la justicia y la verdad recurriendo a sacrificios sanguinarios, el fin justifica los medios.

A pesar de esto, hay como un nuevo lenguaje en esta nueva cinta: "No hagas lo que te dictan tus instintos, haz exactamente lo contrario". Esto es interesante luego de ver la cantidad de muertes en vano, pero nos demuestra que la mente humana es tan predecible que se puede manejar, tal como hacía Jigsaw. Así nos incita todo el tiempo a pensar dos veces antes de actuar y a no desmerecer al otro trabajando y pensando en equipo. ¿Se acuerdan de la primera?, ¿La escena del baño con el Dr. Gordon y el fotógrafo? En vez de matarse entre ellos se dan cuenta de que los dos están en igualdad de condiciones.

Pero el hombre instintivamente es así, piensa primero en sí mismo, es su naturaleza, y esto es lo que precisamente nos trata de enseñar Jigsaw.

No me parece desacertado volver sobre temas que quedaron incompletos en las entregas anteriores, ¿pero realmente da para una sexta película?... El final, como es usual, sigue quedando abierto ante la posibilidad de nuevas producciones, y hasta llegué a decir: "Que hijos de puta, no pueden terminarla así". Es sorprendente cómo se da vuelta todo en cuestión de minutos.

También se lo sigue viendo a Jigsaw a través de flashbacks un poco forzados pero no por eso innecesarios ya que nos cuentan cómo se conoce con el comisario y por qué. Y qué hay de Amanda?... ya no queda nada de ella, su muerte marca un punto final en su protagonismo.

Como es característico de la saga, cada episodio transcurre junto al otro como una seguidilla increíble e imposible en paralelo. El correr de las horas parece no existir, no se dan nociones de tiempo, todo pasa casi a la vez. Cada entrega debe tener una duración de semanas o incluso días, no más que eso.

Excelente, ya no por la historia en sí, sino porque cada entrega aparece renovada y no se pierde de vista ningún detalle. Muy fuerte.

--- SI ---

Siete años de mala suerte

“Mirrors” (“Espejos siniestros”) es extremadamente desesperante e inquietante, con pocas películas me he sentido así de impotente y pasiva.
El juego de luces y sombras, de claros y oscuros, como sólo un ambiente temerosamente plagado de espejos nos puede brindar. Es muy paralizante como Ben Carson (Kiefer Sutherland) recorre los rincones del gran shopping incendiado hace varios años, pero que sigue allí, como quedó en su momento, como si fuera patrimonio de la humanidad.
A este oficial de policía retirado le ha tocado volver a trabajar y cumple largos turnos de noche vigilando el lugar por dentro y por fuera. El dilema empieza cuando se atreve a entrar cada noche allí, imágenes y sonidos tan duros como reales se le presentan ante sus ojos, algo anda mal con ese lugar.
Cuanto más quiere averiguar, mas en peligro está, y menos cerca del entendimiento en los hechos que ocurren. Al principio lo tildan de loco, incoherente y contradictorio, pero luego todo el mundo a su alrededor los apoyará en sus visiones.
Es desgarrador ver cómo la mentalidad del personaje está encerrada y atada de pies y manos, pero esto no es razón suficiente como para dejar de investigar.
La temática de los espejos en cine no es muy común, pero creo que sí es muy efectiva. El director Alexandre Aja al parecer quiso jugar con nuestro alter ego, con nuestro interior, con sentimientos y pensamientos que siempre ocultamos, lo que no se puede mostrar de nosotros mismos, las penurias de cualquier persona que aparenta ser feliz cuando en realidad no lo es tanto. Y fundamentalmente analicemos las deformaciones del rostro que aparecen en varias escenas frente a estos espejos, esto está claramente relacionado con el lado oscuro del alma, porque en toda esencia pura siempre hay algo misterioso y algo que no mostraríamos a los demás. También los espejos serían las veces de un nexo para entrar a otro mundo por parte de una fuerza oscura que muy pocos conocen y dominan bien, una puerta, un modo de “pasar” al otro lado.
Buenos efectos, inmejorable banda sonora, que sumado a la espectacular fotografía, iluminación y puesta en escena tornan a la cinta tan real como intrigante. Hasta llega a marear, porque para nuestra desgracia, el comienzo es un tanto confuso.
Aconsejo que presten mucha atención a cada detalle mínimo, a cada cambio, cada lazo que puedan unir, y presten vital atención a la escena de la bañadera, donde la hermana del personaje sufre una muerte más que impresionante.
Muy buena por donde se la mire, y el final… la frutilla del postre un poco inconclusa, pero esa es quizá la mejor parte de todo.

--- SI ---

Cine argentino del bueno y del malo...

Hace exactamente una semana me deleité con la tan famosa “Los bañeros más locos del mundo”, la cual siempre me pareció rudimentaria con respecto a otras producciones de la época, y un tanto tonta en cuanto al tipo de humor que se propone explotar.
Quien me convenció de volver a verla (¿Quién no la ha visto alguna vez en su vida?) me expresó su profunda admiración por esta película alegando que era un clásico argentino que hizo reír a la mayoría de nosotros, al igual que las tan conocidas de Olmedo y Porcel.
Coincido con él en eso y algunas partes incluso me parecen muy cómicas, pero a mi criterio, nada se compara con el humor inglés, el francés o el inocente italiano.
Nada como ver una buena obra de arte como “Mi gran casamiento griego” que ni se compara con el humor argentino, en el que prevalecen el exhibicionismo, la sonsera y la mujer tomada como un objeto.
Vayamos más adelante y podemos ver algunas producciones argentinas de ésta época, como son las famosas “remake” que se hacen de películas de Guillermo Francella sin mencionar la abrumadora llegada de “La Brigada Explosiva” que simplemente es un insulto al cine argentino.
Ahora bien, no pretendo desprestigiar las cintas de nuestra país, he visto producciones muy buenas con Adrián Suar que me parecen excelentes, con el enigmático Ricardo Darín o con el humor sarcástico de Diego Peretti. También me acuerdo de “Esperando la carroza”, donde personajes humorísticos muy reconocidos debutaban en la pantalla grande como por ejemplo Antonio Gasalla encarnando a la nona traviesa que tantas alegrías nos trajo de chicos.
Señores… eso es humor puramente argentino y sano, sin plagios de ningún tipo, totalmente inocente y porque no sin tetas ni culos.
A ver si la imaginación y la creatividad vuelven, sin versiones obscenas y acotadas a la original, sin adaptaciones, sin historias superficiales.
Igualmente, disfrute mucho de la función :-) y de un momento de risas un poco fingidas pero divertidas al fin.

Bajo efectos de la conciencia

“Awake” (“Despierto” o también conocida como “Bajo anestesia”), de Joby Harold, provoca sentimientos encontrados. Por un lado es tremendamente dramática por tu trama, sus escenas tensas y principalmente por su tema, pero a la vez le falta un poco de todo.
Esta cinta nos trae figuras frescas y jóvenes como Hayden Christensen (Star Wars) y Jessica Alba (Fantastic Four), que se combinan a la perfección como pareja en la ficción.
Clayton es de una familia bien y vive con su madre tras la trágica muerte de su padre cuando era solo un niño. Así se va codeando con personas prestigiosas y se convierte en un empresario ejemplar.
Sam es la secretaria de la madre de Clayton y nunca estuvo de acuerdo con mantener su relación en secreto para no provocar su enojo.
Clayton tiene una terrible afección en su corazón y por eso se someterá a un trasplante el cual hará su amigo y médico de confianza.
La cinta se basa en un tema no tan grato para el espectador y no cualquiera puede ver esta película. No se trata de la intervención quirúrgica en sí ni de los problemas de un chico inmerso en una familia de plata, sino del fenómeno de la “conciencia anestésica” que, según esta producción, sufre 1 de cada 700 personas que se someten a ella.
¿Qué pasa cuando nos anestesian?, en teoría estamos completamente dormidos, pero, ¿es esto cierto? ¿Podemos sentir y oír todo lo que pasa a nuestro alrededor?
Con la cantidad de producciones cinematográficas y series sobre la vida y la labor de los médicos, aquí se nos presenta la otra cara de la moneda en un quirófano. Mientras está dormido Clayton tiene la sensación de que algo anda mal luego de aplicársele la anestesia.
¿Cómo puede ser? La cinta pretende hacernos creer que muchas personas pasan por esto.
A partir de allí, todo se torna turbio para Clayton, imágenes fugaces pasan por su cabeza (hecho similar presenciamos cuando estamos a punto de morir) y se habla a sí mismo para tranquilizarse, y parece que lo logra porque por momentos se muestra bastante pacífico.
Me quiero detener sobre ese aspecto de la cinta: no es verosímil que alguien que está siendo intervenido en una operación (y menos en un trasplante de corazón) y que se le está abriendo el pecho en dos no se desespere y no se soquee con algo así.
No pongo en duda la habilidad actoral de Christensen sino que no se expresó ni transmitió el dramatismo acorde a la situación. De esto no tiene la culpa el actor, sino su director.
Las escenas en el quirófano son impactantes, pero por el sólo hecho de ser una operación de corazón, pero me quedé con muy poco del personaje en sí y con mucho de la historia en general, que parece muy original para llevar al cine.
A pesar de ese punto en contra, la película es atractiva, con muy buenos diálogos, dramatismo y actuaciones satisfactorias. (Presten mucha atención al papel de Jessica Alba, da un giro de 180 grados sobre el final que nos mantiene atónitos).
Después de ver esto, raro será que alguien se atreva a entrar a una sala de operaciones, por eso hubo durísimas críticas a la película por ser su contenido un tanto “traumatizante” para el público en general y por tergiversar la realidad.

--- SI ---

El cine nacional apuesta a problemas médicos

Uruguay. Hermosas playas, una casa sobre la arena, una brisa fuerte y el ruido del mar. Alex pasa sus días evitando a los demás, enfrentando sus problemas y temores. La gente no lo ve como una persona normal, es una adolescente de 15 años que toma pastillas para ser menos hombre y por fin tener una identidad.
La hiperplasia suprarrenal congénita (síndrome de Klinefelter ) es la protagonista de esta historia tan dramática como real, que sufren algunas personas día a día. La familia de Alex tuvo que migrar fuera de la Argentina para que su hijo creciera sano y sin la mirada prejuiciosa del resto. En el pueblo es tan interesante su situación que la miran como un fenómeno. Se podría decir que Alex es tanto hombre como mujer. Nació con ambos sexos y siente doble, sufre doble, pero en apariencias es sólo una chica.
Ella (o él) se enamora de Álvaro, el hijo de un cirujano que llegó desde Buenos Aires para hacerle una posible cirugía a Alex, pero ni sus padres están tan convencidos de ello. Tratan de convencerlos de que será lo mejor, pero en casos así nunca se sabe.
“XXY”, de Lucia Puenzo, relata a la perfección la situación de una familia desorientada, pero que deja que su hijo elija quién quiere ser. Porque esa es la mejor manera, por lo menos por ahora. Sin embargo, recibe burlas y bromas de sus pares, menos del visitante nuevo y por eso su atracción hacia él.
Esta cinta argentina atrapa bastante con un tema totalmente original, y sorprende por ser nacional. Este en un ejemplo adecuado para pensar que todavía se pueden encontrar buenas historias en el cine argentino. Las actuaciones son excelentes, como siempre Ricardo Darín y Valeria Bertuccelli se llevan los premios, con la espectacular revelación de Inés Efron (22). Se destacan además los escenarios naturales y la banda sonora.
Muy buena, original, realista y nos llega hasta lo más profundo.

--- SI ---

No dejes de filmar

¿Alguna vez pasaron una jornada laboral atípica, en medio de gritos, gente enferma, sangre y locura por todas partes?
En "Rec" no se habla de médicos que salvan vidas todos los días, ni de policías que detienen a un grupo de delincuentes heridos. Para Ángela (Manuela Velasco), una periodista de televisión local, esto resulta horroroso e inusual.
Como reportera cada noche cuenta una historia distinta con su compañero, el cámara. Esta noche le tocará ir al escuadrón de bomberos para mostrar cómo es el trabajo allí. La jornada transcurre demasiado tranquila, pero un llamado los desvela. Llegan a destino, y se encuentran con un grupo de inquilinos desbordados por el llanto y el miedo. Una anciana del piso superior lanza gritos desgarradores. Ensangrentada, cerca de su cama, parece inofensiva pero nada es lo que parece y hiere a uno de los policías allí presentes.
El caos se desata, y con él una masacre colectiva. La anciana ha muerto, pero todo no termina ahí, sino que hay más, cada vez peor y más intenso con el correr de los minutos, hasta finalizar con un impresionante y sorpresivo desenlace.
No podrán correr, ni esconderse, sólo tendrán que intentar sobrevivir, pero nunca dejan de grabar con su cámara, esa es la meta, sumado a que no tienen salida ya que las autoridades han cercado el lugar.
Recomendable para los amantes del género, aunque con un tema muy trillado, pero no aburre en ningún momento y tiene la dosis justa de suspenso y desesperación.
Ideal para ver en cine, con muy buen sonido, imágenes imperdibles y un toque de cinismo de parte de los directores españoles Jaume Balagueró y Paco Plaza, quienes juegan mucho con las luces, las sombras y los modos nocturnos, y dejan un final abierto.
Esta cinta ganó los premios Goya al mejor montaje, mejor actriz revelación de España y mejor director. Si bien es muy parecida a muchas del género como “Cloverfield”, dista mucho de ella y es aún más angustiante. Ideal para ver en pantalla grande, pero pronto saldrá en DVD, así que a apurarse!

--- SI ---

El matrimonio es la principal causa de divorcio

Escena 1: Una pareja va a hacer terapia por problemas maritales. Se los ve sentados en sillones separados (porque así están, separados). “Más de lo mismo”, pensé una vez sentada en la butaca del cine.
Pero me fui metiendo en la historia de Tenso (Adrián Suar) y la Tana (Valeria Bertuccelli), dos personas que siguen enamoradas una de la otra pero que por determinadas circunstancias de la vida creen que ya no. Y su slogan lo dice: ¿Qué sos capaz de hacer cuando no sos capaz de hacerlo? Y se refiere a que ninguno de los dos se atreve a decirle adiós al otro para siempre.
Este es el juego del amor, las trampas de la vida, en las que caemos todos los días (conciente o inconcientemente), y a veces nos gusta tanto que seguimos adelante sin importarnos las consecuencias.
“Un novio para mi mujer” de Juan Taratuto, refleja claramente la confusión a la que se puede llegar cuando las cosas no están como queremos. Y así le pasó a Tenso, no supo cómo hablar con su mujer acerca de separarse y prefirió optar por otro medio: contratar al mejor galán conocido por todos para que la sedujera y la separara de su lado sin que se diera cuenta.
Los actores son los indicados para esta historia, sin exageraciones. La Tana es una mujer pesimista, quejumbrosa y sin ninguna pasión en su vida, todo el día en su casa, no trabaja ni tiene hijos, su vida es extremadamente aburrida y todo eso lo canaliza a través de su marido que no tiene más remedio que escucharla sin parar.
Tenso es silencioso, se levanta de buen humor, desayuna tranquilo y es humilde. Para él es indispensable que su mujer se lleve bien con sus amigos.
Cada uno representa a la perfección lo que uno desea, busca y espera de la persona con quien comparte sus días y el resto de su vida.
Esta es una cinta para volverse a enamorar, para emocionarse, para recordar, y para experimentar sentimientos encontrados.
Seguramente se sentirán o se habrán sentido identificados con ellos en más de una escena. La pareja despareja al final se descubre viviendo situaciones viejas y recuerdos que nunca hubieran pensado volver a vivir. Y allí está la esencia de la cinta. Nos enseña a perdonar, a dar el brazo a torcer por más que nos cueste, a pasar por alto algunas pequeñeces, a recrear momentos únicos y a aprender a enamorar día a día a la otra persona.
Muy entretenida, divertida, original, lejos de ser parecida a otros films del cine argentino, con actores excelentes y sobre todo muy real y cotidiana. Una comedia romántica como pocas. A más de uno se le escapará una lágrima, incluso a los hombres.



--- SI ---