Rodríguez+Tarantino= mezcla explosiva

¿Qué decir de “Planet Terror”?
Esta impresionante cinta de Robert Rodríguez que le rinde culto a “Grindhouse” y a “Death Proof” de Quentin Tarantino, es una obra maestra de sadismo puro, chorros de sangre y repulsivas criaturas.
Su trama se basa principalmente en lo que estuvimos viendo durante los últimos años: una infección letal de la que nadie se salva, pero esta es aun más asquerosa y cruel.
Desde humanos deformes hasta muertos vivos caminando con grandes coágulos en su cara que cada dos por tres explotan y salpican.
Pero esta película va aun más allá. Rodríguez se animó a jugar con un tópico peligroso y lacrimógeno: la infección fue causada por el mismo Ben Laden ahora asesinado. ¿No es lo más loco y volado que hemos escuchado?.
Esta cinta nos ofrece todos sus costados: un terror gore al estilo de los dos directores, que a la vez da risa de cómo está planteado, pero que no cae en el absurdo y acompaña a la perfección todo el desarrollo, ya que hay escenas que se prestan verdaderamente para algún que otro chiste de humor negro. Caemos en la cuenta de que nos estamos riendo de una persona atropellada ferozmente por un camión, pero lo mejor es que es el triple de sangriento y exagerado.
Por otro lado, nos brinda historias variadas dentro de su trama: la de una bailarina stripper (Rose McGowan) que es atacada por un zombie quien le corta una pierna, la de su ex novio “El Wray” (Freddy Rodríguez- no es pariente del director) con quien se reencuentra después de un tiempo en una vieja parrilla del barrio y quien también le coloca una potente arma de fuego que hace las veces de muslo, la de una enfermera lesbiana (Marley Shelton) que trabaja junto a su marido médico a quien ya ni soporta, y la de un militar infectado que busca su propia cura (Bruce Willis).
Willis hace una de las apariciones magistrales, otras están a cargo de Fergie, cantante de Black Eyed Peas, Naveen Andrews ya visto en varias producciones como Lost (Sayid) y Moisés con papeles secundarios, y el mismísimo Tarantino encarnando a un militar despreciable y degenerado.
Esta película parodia producciones de terror de directores como George A. Romero y Lucio Fulci y juega con un estilo setentoso: la cinta tiene imperfecciones de imagen (las clásicas rayas que aparecen de la nada), la fotografía ultra quemada, los saltos del rollo y, algo que me fascinó: el corte de una escena erótica parodiando la pérdida del rollo. En los años ‘70 e incluso ‘80, los directores no dejaban de filmar este tipo de escenas, sólo que “cortaban” los rollos de película a modo de censura y para uso personal, y pidiéndole luego disculpas al público en la proyección. Por lo general, en la escena siguiente a la cortada, todo había cambiado, las parejas se habían unido, algunos ya habían muerto y otros se habían transformado.
La banda sonora resultó ser impecable, excelente. Cuesta olvidarse de la escena en la que Cherry, la stripper coja, va corriendo por el pavimento empapado de zombies muertos y sangre, sus pasos acordes con la música, y salta traspasando un paredón para atacar al ejército de infectados al otro lado. Esa escena es una de las mejores de la cinta, sin dudas.
Es curioso, todo parece exagerado, fingido, grandilocuente, y creo que realmente se quiso dar esa impresión. Todo es adrede, no hay nada casual, todo forma un combo perfecto de imágenes, sensaciones y sonidos que se combinan sin aburrir, sin sasear, porque al salir de la sala queremos más.
Planet terror, turbia, agonizante, exagerada, perversa y con un trabajo impecable.

--- SI ---

Otro remake pero muy particular

“El día que la Tierra se detuvo” (“The Day The Earth Stood Still”) de Scott Derrickson, se podría analizar de dos maneras muy disímiles.
La primera sería desde el punto de vista de la ficción tal como se presenta. La Dra. Helen Benson es llamada por la NASA junto a otros científicos e ingenieros con motivo de un tema de interés nacional y de secreto profesional. Una gran esfera brillante ha aterrizado en la Tierra. Cuando los científicos se acercan y tratan de tener algún contacto con ella, de repente se abre y aparece una extraña criatura que finalmente es herida de bala por uno de los oficiales del equipo. Se lo llevan al quirófano para intervenirlo e investigarlo y descubren que en realidad no es un alienígena, tal como todos creían.
A partir de aquí comienza una historia intrigante que suma misterios e incógnitas más que aclararlas. La película de por sí en lenta, si bien el aterrizaje de la esfera se da bien al principio, las explicaciones acerca de quién es la criatura se toman su tiempo, y eso quizá no es un costado positivo de la película, porque en ocasiones no se entiende nada.
Pero ese es el momento en el cual uno dice “vamos a darle otra oportunidad, todas las cintas en algún momento desorientan”. Pero no fue así hasta bien entrado el final y eso baja puntos.
Esta producción (aún en cine) no deja de ser una película de ciencia ficción a lo Armageddon o Impacto Profundo, con muy buenos efectos y buenos actores (Keanu Reeves y Jennifer Connelly) que en realidad dan para otro tipo de películas. Una lastima!.
El segundo aspecto a analizar (aisladamente) es su mensaje. A mitad de la cinta nos empezamos a dar cuenta de que da para pensar. La temática no es variada, sino que hay una sola apuesta y es quizá por eso que esta producción pisa fuerte en este aspecto: la ecología y el medio ambiente maltratados por el hombre con sus descuidos y negligencias, y ello resulta en el impacto ambiental de estos tiempos. Esto tiene que ver con que se supone que las esferas misteriosas no vienen a exterminar la raza humana como lo haría todo alienígena hostil, sino a salvarla. Este tema está muy bien encarado, ya que parten de la premisa de que el ser humano no es capaz de cambiar su actitud de maltrato a menos que esté al borde de la extinción cercana. La naturaleza del hombre es así y ya no puede darse otra oportunidad para el cambio, ya fue dada hace un tiempo y se la desaprovechó. Esto nos entra en la cabeza y se queda allí, a pesar de que el final no sea el mejor por su corto desarrollo y escasa información. El desenlace se nos presenta veloz sin que podamos realmente admirarlo, convirtiéndose en pobre.
La cinta es certera, pega duro, es un llamado a la reflexión, un grito desesperado de ayuda del mundo, y ahora… como está dado todo, un manotazo de ahogado de la naturaleza.
Lamentablemente seguimos siendo testigos de más y más remakes y es evidente que el cine de Hollywood no apostará a nada más que eso, por lo menos por ahora.

--- SI --- (por su cálido mensaje)

La vida (in)justa...

La vida a veces nos juega una mala pasada y nos separa de las personas que más amamos y nunca queremos dejar.
Pero la vida no actúa sola, sino con el destino, quien se encarga de digitar al menos parte de nuestra existencia.
A pesar de que a veces pensemos que esto es injusto (lo es) y que no lo merecemos (es correcto), todo lo que nos pasa tiene su razón de ser.
Y eso va pegado a otra cosa: a ser “Digno de ser”, a encontrar lo que somos, a elegir qué camino tomamos y con quién lo transitamos.
La cinta francesa del mismo nombre en español (“Va, vis et deviens”) dirigida por el rumano Radu Mihaileanu, se remite precisamente a eso además de tocar temas que van desde la situación de hambre y desnutrición en África hasta cuestionar a los judíos en muchas de sus actitudes.
Esta apuesta es fuerte, reflexiva y completa. No se decir qué elemento le falta para ser perfecta.
Desde el comienzo la trama ya viene dura: Schlomo (Yael Abecassis), un niño de un pueblo de Etiopía, es “dejado” por su madre que en realidad pretende salvarle la vida para que llegue a ser alguien en algún otro lugar haciéndose pasar por un judío. Esto es el proyecto Moisés, que consiste en la inmigración de judíos a la “Tierra pometida”.
El chico pasa por varias madres hasta que encuentra la familia ideal, la que cualquier hijo quiere tener y la que logra quitarle antiguas espinas.
Pero Schlomo es paciente y esperanzado, le habla a la luna, a la cual personifica como su madre y cada día le reza una oración distinta con las ansias de reencontrarse con ella como uno de sus asuntos pendientes.
La película claramente es un drama muy bien logrado que emociona hasta los huesos y conmueve hasta las lágrimas y que trata los temas más duros desde que la humanidad existe: la discriminación, las guerras de religión injustificadas, la sangre derramada, el desarraigo y el miedo a avanzar en un mundo que no parece pertenecernos.
Schlomo hasta se enamora, pero la ausencia de su madre lo marca demasiado como para volver a arriesgarse y entregar su vida a alguien.
La película es psicológica, pero no sólo nos propone ver la mentalidad del personaje, sino que juega con nuestros sentimientos, especialmente en la última escena de final inesperado. Me voy a detener particularmente en esta: ¿cómo decirlo?… extremadamente fuerte, excelente, y uno se queda con el corazón en la boca, con una especie de amargura interna. Y así es como empezamos a entender o valorar muchas mas cosas: el papel de la madre en nuestras vidas, que se puede empezar a cambiar este mundo con sólo un granito de arena de parte de cada uno, y de que luchando por lo que queremos o ansiamos al fin la vida nos recompensa… pero después de tanto tiempo, el destino quizá quiso que Schlomo creciera para poder afrontar lo que venía.
Una historia realmente fantástica como pocas, plagada de simbolismos, con banda sonora excelente y escenarios naturales, actores inmejorables y con una trama que da para hablar.
Cautivante por donde se la mire.
Apostemos a este tipo de cine.

--- SI ---

Una señal... aburrida

“La señal” está ambientada en los años 50, en medio de un contexto político bastante caldeado no sólo con la reciente muerte de Eva Perón. En este sentido, la puesta en escena, el vestuario, la fotografía y la banda sonora son inmejorables, ideales para ponernos a tono con la época. Incluso de han alquilado distintos accesorios para la filmación como así también automóviles de colección.
Pero el resto deja mucho que desear. Con una trama pobre, poco original y un final anunciado desde la mitad de la cinta, se puede decir que los actores con los que cuenta son un desperdicio para esta producción. Es una verdadera lástima ver a Ricardo Darín (Pibe Corvalán), Julieta Diaz (Gloria) y Diego Peretti (Santana) encarnando papeles carentes de fuerza, carisma e intriga.
Corvalán y Santana son socios en una agencia de detectives desde hace tiempo pero no son los mejores en lo que hacen. Varios casos les han salido mal y trabajan por un salario mínimo hasta que se meten en problemas por Gloria, una misteriosa mujer que ha contratado a Corvalán y lo ha metido en un juego sucio de poder y ambición. Aconsejado por su amigo y socio, hace oídos sordos al pedido de retirarse de la investigación.
Como se supone, hay mucho dinero de por medio, pero se exponen a los ojos de la mafia y sus vidas corren peligro. Corvalán termina entre la espada y la pared por enamorarse de Gloria, que le cuenta poco y nada acerca de ella ni del caso. Corvalán trabaja a ciegas pero engatuzado con ella.
La cinta dura una densa hora y media, y la trama no ayuda a pasar con gusto ese tiempo. La historia se torna densa, con pocos puntos de giro, poca acción y un suspenso ausente. Aburre casi desde los primeros minutos y no se entiende nada hasta casi llegado el final, el cual como dije antes, se intuye perfectamente.
La mayoría de las producciones del cine argentino se caracterizan por ser lentas en el tiempo y por aportar pocos datos en un periodo muy largo. Este es el caso, porque en realidad la manera de tratar el tema no amerita que la cinta lleve casi dos horas. La clave de toda buena película es “retener” al espectador los primeros minutos para que luego se siga interesando en el resto de la cinta. Esta producción no llega a lograr ese cometido, poniéndolo en la obligación de continuar viendo la película sólo para ver cómo concluye, aunque sea muy a su pesar.
El único dato a destacar de esta producción es que tras la muerte del director Eduardo Mignona, Ricardo Darín tuvo la difícil tarea de continuar con la realización del film junto a Martín Hodara.
Lenta, poco original, sin aportes interesantes ni vuelcos. Un intento de thriller y drama argentino que no desafía, no sorprende ni entusiasma.

--- NE ---

Precaución: la 5º se viene fuerte

Ahora es mi turno... después de que mis colegas bloggeros dieran su veredicto crítico acerca de la cinta, finalmente fui al cine a verla y expongo mis aspectos coincidentes y contrarios como amante del debate sano y con fundamentos.

La quinta parte de "Saw" me pareció interesante, prolija (como las cuatro anteriores) y sofisticada. En un principio me indigné cuando me enteré que una quinta entrega se estaba "cocinando", me parecía ya algo muy burdo y descortés para la historia de Jigsaw, pero me sorprendió en varios aspectos.

Esta edición nº 5 no avanza demasiado; luego de la muerte del personaje principal, todo sigue girando en torno al comisario Hoffman (Costas Mandylor) dueño de un legado de sangre, pero hay una cosa que sí se exclarece: el motivo de continuar con el trabajo de Jigsaw, y vaya justificación!...

La trama sigue siendo intrincada, aunque se desenreda cada vez más e involucra a otros personajes nuevos en el juego. Es como si David Hackl, su director, quisiera seguir reafirmándonos en la cabeza un mensaje que hace tiempo entendimos con las primeras entregas: una forma distinta de ver y tomar la muerte, la justicia y la verdad recurriendo a sacrificios sanguinarios, el fin justifica los medios.

A pesar de esto, hay como un nuevo lenguaje en esta nueva cinta: "No hagas lo que te dictan tus instintos, haz exactamente lo contrario". Esto es interesante luego de ver la cantidad de muertes en vano, pero nos demuestra que la mente humana es tan predecible que se puede manejar, tal como hacía Jigsaw. Así nos incita todo el tiempo a pensar dos veces antes de actuar y a no desmerecer al otro trabajando y pensando en equipo. ¿Se acuerdan de la primera?, ¿La escena del baño con el Dr. Gordon y el fotógrafo? En vez de matarse entre ellos se dan cuenta de que los dos están en igualdad de condiciones.

Pero el hombre instintivamente es así, piensa primero en sí mismo, es su naturaleza, y esto es lo que precisamente nos trata de enseñar Jigsaw.

No me parece desacertado volver sobre temas que quedaron incompletos en las entregas anteriores, ¿pero realmente da para una sexta película?... El final, como es usual, sigue quedando abierto ante la posibilidad de nuevas producciones, y hasta llegué a decir: "Que hijos de puta, no pueden terminarla así". Es sorprendente cómo se da vuelta todo en cuestión de minutos.

También se lo sigue viendo a Jigsaw a través de flashbacks un poco forzados pero no por eso innecesarios ya que nos cuentan cómo se conoce con el comisario y por qué. Y qué hay de Amanda?... ya no queda nada de ella, su muerte marca un punto final en su protagonismo.

Como es característico de la saga, cada episodio transcurre junto al otro como una seguidilla increíble e imposible en paralelo. El correr de las horas parece no existir, no se dan nociones de tiempo, todo pasa casi a la vez. Cada entrega debe tener una duración de semanas o incluso días, no más que eso.

Excelente, ya no por la historia en sí, sino porque cada entrega aparece renovada y no se pierde de vista ningún detalle. Muy fuerte.

--- SI ---

Siete años de mala suerte

“Mirrors” (“Espejos siniestros”) es extremadamente desesperante e inquietante, con pocas películas me he sentido así de impotente y pasiva.
El juego de luces y sombras, de claros y oscuros, como sólo un ambiente temerosamente plagado de espejos nos puede brindar. Es muy paralizante como Ben Carson (Kiefer Sutherland) recorre los rincones del gran shopping incendiado hace varios años, pero que sigue allí, como quedó en su momento, como si fuera patrimonio de la humanidad.
A este oficial de policía retirado le ha tocado volver a trabajar y cumple largos turnos de noche vigilando el lugar por dentro y por fuera. El dilema empieza cuando se atreve a entrar cada noche allí, imágenes y sonidos tan duros como reales se le presentan ante sus ojos, algo anda mal con ese lugar.
Cuanto más quiere averiguar, mas en peligro está, y menos cerca del entendimiento en los hechos que ocurren. Al principio lo tildan de loco, incoherente y contradictorio, pero luego todo el mundo a su alrededor los apoyará en sus visiones.
Es desgarrador ver cómo la mentalidad del personaje está encerrada y atada de pies y manos, pero esto no es razón suficiente como para dejar de investigar.
La temática de los espejos en cine no es muy común, pero creo que sí es muy efectiva. El director Alexandre Aja al parecer quiso jugar con nuestro alter ego, con nuestro interior, con sentimientos y pensamientos que siempre ocultamos, lo que no se puede mostrar de nosotros mismos, las penurias de cualquier persona que aparenta ser feliz cuando en realidad no lo es tanto. Y fundamentalmente analicemos las deformaciones del rostro que aparecen en varias escenas frente a estos espejos, esto está claramente relacionado con el lado oscuro del alma, porque en toda esencia pura siempre hay algo misterioso y algo que no mostraríamos a los demás. También los espejos serían las veces de un nexo para entrar a otro mundo por parte de una fuerza oscura que muy pocos conocen y dominan bien, una puerta, un modo de “pasar” al otro lado.
Buenos efectos, inmejorable banda sonora, que sumado a la espectacular fotografía, iluminación y puesta en escena tornan a la cinta tan real como intrigante. Hasta llega a marear, porque para nuestra desgracia, el comienzo es un tanto confuso.
Aconsejo que presten mucha atención a cada detalle mínimo, a cada cambio, cada lazo que puedan unir, y presten vital atención a la escena de la bañadera, donde la hermana del personaje sufre una muerte más que impresionante.
Muy buena por donde se la mire, y el final… la frutilla del postre un poco inconclusa, pero esa es quizá la mejor parte de todo.

--- SI ---

Cine argentino del bueno y del malo...

Hace exactamente una semana me deleité con la tan famosa “Los bañeros más locos del mundo”, la cual siempre me pareció rudimentaria con respecto a otras producciones de la época, y un tanto tonta en cuanto al tipo de humor que se propone explotar.
Quien me convenció de volver a verla (¿Quién no la ha visto alguna vez en su vida?) me expresó su profunda admiración por esta película alegando que era un clásico argentino que hizo reír a la mayoría de nosotros, al igual que las tan conocidas de Olmedo y Porcel.
Coincido con él en eso y algunas partes incluso me parecen muy cómicas, pero a mi criterio, nada se compara con el humor inglés, el francés o el inocente italiano.
Nada como ver una buena obra de arte como “Mi gran casamiento griego” que ni se compara con el humor argentino, en el que prevalecen el exhibicionismo, la sonsera y la mujer tomada como un objeto.
Vayamos más adelante y podemos ver algunas producciones argentinas de ésta época, como son las famosas “remake” que se hacen de películas de Guillermo Francella sin mencionar la abrumadora llegada de “La Brigada Explosiva” que simplemente es un insulto al cine argentino.
Ahora bien, no pretendo desprestigiar las cintas de nuestra país, he visto producciones muy buenas con Adrián Suar que me parecen excelentes, con el enigmático Ricardo Darín o con el humor sarcástico de Diego Peretti. También me acuerdo de “Esperando la carroza”, donde personajes humorísticos muy reconocidos debutaban en la pantalla grande como por ejemplo Antonio Gasalla encarnando a la nona traviesa que tantas alegrías nos trajo de chicos.
Señores… eso es humor puramente argentino y sano, sin plagios de ningún tipo, totalmente inocente y porque no sin tetas ni culos.
A ver si la imaginación y la creatividad vuelven, sin versiones obscenas y acotadas a la original, sin adaptaciones, sin historias superficiales.
Igualmente, disfrute mucho de la función :-) y de un momento de risas un poco fingidas pero divertidas al fin.

Bajo efectos de la conciencia

“Awake” (“Despierto” o también conocida como “Bajo anestesia”), de Joby Harold, provoca sentimientos encontrados. Por un lado es tremendamente dramática por tu trama, sus escenas tensas y principalmente por su tema, pero a la vez le falta un poco de todo.
Esta cinta nos trae figuras frescas y jóvenes como Hayden Christensen (Star Wars) y Jessica Alba (Fantastic Four), que se combinan a la perfección como pareja en la ficción.
Clayton es de una familia bien y vive con su madre tras la trágica muerte de su padre cuando era solo un niño. Así se va codeando con personas prestigiosas y se convierte en un empresario ejemplar.
Sam es la secretaria de la madre de Clayton y nunca estuvo de acuerdo con mantener su relación en secreto para no provocar su enojo.
Clayton tiene una terrible afección en su corazón y por eso se someterá a un trasplante el cual hará su amigo y médico de confianza.
La cinta se basa en un tema no tan grato para el espectador y no cualquiera puede ver esta película. No se trata de la intervención quirúrgica en sí ni de los problemas de un chico inmerso en una familia de plata, sino del fenómeno de la “conciencia anestésica” que, según esta producción, sufre 1 de cada 700 personas que se someten a ella.
¿Qué pasa cuando nos anestesian?, en teoría estamos completamente dormidos, pero, ¿es esto cierto? ¿Podemos sentir y oír todo lo que pasa a nuestro alrededor?
Con la cantidad de producciones cinematográficas y series sobre la vida y la labor de los médicos, aquí se nos presenta la otra cara de la moneda en un quirófano. Mientras está dormido Clayton tiene la sensación de que algo anda mal luego de aplicársele la anestesia.
¿Cómo puede ser? La cinta pretende hacernos creer que muchas personas pasan por esto.
A partir de allí, todo se torna turbio para Clayton, imágenes fugaces pasan por su cabeza (hecho similar presenciamos cuando estamos a punto de morir) y se habla a sí mismo para tranquilizarse, y parece que lo logra porque por momentos se muestra bastante pacífico.
Me quiero detener sobre ese aspecto de la cinta: no es verosímil que alguien que está siendo intervenido en una operación (y menos en un trasplante de corazón) y que se le está abriendo el pecho en dos no se desespere y no se soquee con algo así.
No pongo en duda la habilidad actoral de Christensen sino que no se expresó ni transmitió el dramatismo acorde a la situación. De esto no tiene la culpa el actor, sino su director.
Las escenas en el quirófano son impactantes, pero por el sólo hecho de ser una operación de corazón, pero me quedé con muy poco del personaje en sí y con mucho de la historia en general, que parece muy original para llevar al cine.
A pesar de ese punto en contra, la película es atractiva, con muy buenos diálogos, dramatismo y actuaciones satisfactorias. (Presten mucha atención al papel de Jessica Alba, da un giro de 180 grados sobre el final que nos mantiene atónitos).
Después de ver esto, raro será que alguien se atreva a entrar a una sala de operaciones, por eso hubo durísimas críticas a la película por ser su contenido un tanto “traumatizante” para el público en general y por tergiversar la realidad.

--- SI ---

El cine nacional apuesta a problemas médicos

Uruguay. Hermosas playas, una casa sobre la arena, una brisa fuerte y el ruido del mar. Alex pasa sus días evitando a los demás, enfrentando sus problemas y temores. La gente no lo ve como una persona normal, es una adolescente de 15 años que toma pastillas para ser menos hombre y por fin tener una identidad.
La hiperplasia suprarrenal congénita (síndrome de Klinefelter ) es la protagonista de esta historia tan dramática como real, que sufren algunas personas día a día. La familia de Alex tuvo que migrar fuera de la Argentina para que su hijo creciera sano y sin la mirada prejuiciosa del resto. En el pueblo es tan interesante su situación que la miran como un fenómeno. Se podría decir que Alex es tanto hombre como mujer. Nació con ambos sexos y siente doble, sufre doble, pero en apariencias es sólo una chica.
Ella (o él) se enamora de Álvaro, el hijo de un cirujano que llegó desde Buenos Aires para hacerle una posible cirugía a Alex, pero ni sus padres están tan convencidos de ello. Tratan de convencerlos de que será lo mejor, pero en casos así nunca se sabe.
“XXY”, de Lucia Puenzo, relata a la perfección la situación de una familia desorientada, pero que deja que su hijo elija quién quiere ser. Porque esa es la mejor manera, por lo menos por ahora. Sin embargo, recibe burlas y bromas de sus pares, menos del visitante nuevo y por eso su atracción hacia él.
Esta cinta argentina atrapa bastante con un tema totalmente original, y sorprende por ser nacional. Este en un ejemplo adecuado para pensar que todavía se pueden encontrar buenas historias en el cine argentino. Las actuaciones son excelentes, como siempre Ricardo Darín y Valeria Bertuccelli se llevan los premios, con la espectacular revelación de Inés Efron (22). Se destacan además los escenarios naturales y la banda sonora.
Muy buena, original, realista y nos llega hasta lo más profundo.

--- SI ---

No dejes de filmar

¿Alguna vez pasaron una jornada laboral atípica, en medio de gritos, gente enferma, sangre y locura por todas partes?
En "Rec" no se habla de médicos que salvan vidas todos los días, ni de policías que detienen a un grupo de delincuentes heridos. Para Ángela (Manuela Velasco), una periodista de televisión local, esto resulta horroroso e inusual.
Como reportera cada noche cuenta una historia distinta con su compañero, el cámara. Esta noche le tocará ir al escuadrón de bomberos para mostrar cómo es el trabajo allí. La jornada transcurre demasiado tranquila, pero un llamado los desvela. Llegan a destino, y se encuentran con un grupo de inquilinos desbordados por el llanto y el miedo. Una anciana del piso superior lanza gritos desgarradores. Ensangrentada, cerca de su cama, parece inofensiva pero nada es lo que parece y hiere a uno de los policías allí presentes.
El caos se desata, y con él una masacre colectiva. La anciana ha muerto, pero todo no termina ahí, sino que hay más, cada vez peor y más intenso con el correr de los minutos, hasta finalizar con un impresionante y sorpresivo desenlace.
No podrán correr, ni esconderse, sólo tendrán que intentar sobrevivir, pero nunca dejan de grabar con su cámara, esa es la meta, sumado a que no tienen salida ya que las autoridades han cercado el lugar.
Recomendable para los amantes del género, aunque con un tema muy trillado, pero no aburre en ningún momento y tiene la dosis justa de suspenso y desesperación.
Ideal para ver en cine, con muy buen sonido, imágenes imperdibles y un toque de cinismo de parte de los directores españoles Jaume Balagueró y Paco Plaza, quienes juegan mucho con las luces, las sombras y los modos nocturnos, y dejan un final abierto.
Esta cinta ganó los premios Goya al mejor montaje, mejor actriz revelación de España y mejor director. Si bien es muy parecida a muchas del género como “Cloverfield”, dista mucho de ella y es aún más angustiante. Ideal para ver en pantalla grande, pero pronto saldrá en DVD, así que a apurarse!

--- SI ---

El matrimonio es la principal causa de divorcio

Escena 1: Una pareja va a hacer terapia por problemas maritales. Se los ve sentados en sillones separados (porque así están, separados). “Más de lo mismo”, pensé una vez sentada en la butaca del cine.
Pero me fui metiendo en la historia de Tenso (Adrián Suar) y la Tana (Valeria Bertuccelli), dos personas que siguen enamoradas una de la otra pero que por determinadas circunstancias de la vida creen que ya no. Y su slogan lo dice: ¿Qué sos capaz de hacer cuando no sos capaz de hacerlo? Y se refiere a que ninguno de los dos se atreve a decirle adiós al otro para siempre.
Este es el juego del amor, las trampas de la vida, en las que caemos todos los días (conciente o inconcientemente), y a veces nos gusta tanto que seguimos adelante sin importarnos las consecuencias.
“Un novio para mi mujer” de Juan Taratuto, refleja claramente la confusión a la que se puede llegar cuando las cosas no están como queremos. Y así le pasó a Tenso, no supo cómo hablar con su mujer acerca de separarse y prefirió optar por otro medio: contratar al mejor galán conocido por todos para que la sedujera y la separara de su lado sin que se diera cuenta.
Los actores son los indicados para esta historia, sin exageraciones. La Tana es una mujer pesimista, quejumbrosa y sin ninguna pasión en su vida, todo el día en su casa, no trabaja ni tiene hijos, su vida es extremadamente aburrida y todo eso lo canaliza a través de su marido que no tiene más remedio que escucharla sin parar.
Tenso es silencioso, se levanta de buen humor, desayuna tranquilo y es humilde. Para él es indispensable que su mujer se lleve bien con sus amigos.
Cada uno representa a la perfección lo que uno desea, busca y espera de la persona con quien comparte sus días y el resto de su vida.
Esta es una cinta para volverse a enamorar, para emocionarse, para recordar, y para experimentar sentimientos encontrados.
Seguramente se sentirán o se habrán sentido identificados con ellos en más de una escena. La pareja despareja al final se descubre viviendo situaciones viejas y recuerdos que nunca hubieran pensado volver a vivir. Y allí está la esencia de la cinta. Nos enseña a perdonar, a dar el brazo a torcer por más que nos cueste, a pasar por alto algunas pequeñeces, a recrear momentos únicos y a aprender a enamorar día a día a la otra persona.
Muy entretenida, divertida, original, lejos de ser parecida a otros films del cine argentino, con actores excelentes y sobre todo muy real y cotidiana. Una comedia romántica como pocas. A más de uno se le escapará una lágrima, incluso a los hombres.



--- SI ---

Tormenta blanca

Se podría decir que “The Mist” confunde. Cuando se muestran las primeras escenas de esta producción de Frank Darabont, adaptada de la novela "La Niebla" de Stephen King, parece un film a lo “The Host”, una cinta japonesa que dejó mucho que desear, pero luego cuando la cinta se va desarrollando entramos en clima y vamos siguiendo la historia exhaustivamente.
Todo empieza con una densa niebla que cubre la ciudad, y misteriosamente nada sobrevive a ella. Ante esto, un grupo de pueblerinos decide refugiarse en un supermercado local, pero se dan una serie de situaciones lógicas, algunos entran en pánico, otros predican el castigo divino de Dios, y otros se animan a aventurarse en el pueblo de Maine, ya totalmente cubierto.
La situación se va agravando cada vez más y la impaciencia carcome las mentes de estas personas.
Insectos y animales de todo tipo son los principales protagonistas, pero lo que realmente se destaca es su rareza y excentricidad. Son especies admirables hasta el momento en que llegan a convertirse en extremadamente peligrosas, a tal punto de lograr matar en segundos.
A pesar de que los actores no son conocidos, a excepción de Thomas Jane (“La delgada línea roja” y “Deep Blue Sea”), hay buenas actuaciones y la película en rasgos generales atrapa. Es algo fuera de lo común, bien hecha y entretenida.
Es del calibre de “Godzilla” pero mucho menos tonta, menos exagerada y muy dramática, hasta llegar a un grado de desesperación apocalíptica.
A medida que transcurren los minutos, uno se va metiendo más y más, y se va espantando peor. No la catalogaría como una película de terror, simplemente debe ser thriller osado y de intriga con muchos efectos.
Vi en Youtube un final alternativo, sinceramente me indigna que amateurs editen el verdadero final de la cinta como se les da la gana, ¡dejemos de hacer eso por favor!, queda horrible.
Ideal para ver en casa, sentado bien tranquilo (pero no comiendo). Sorprendente por donde se la mire y respetablemente buena.


--- SI ---

¿Me cambiaron a Batman?

Al ver las primeras imágenes de “Batman, el caballero de la noche” (Christian Bale), quedé anonadada con el nuevo villano que nos propone el director Christopher Nolan. Al verlo con una máscara y con ese traje color púrpura supe inmediatamente quien era, más allá de que el final de la última cinta nos haya dejado en claro de antemano de quién se trataba. Con su cara cortada y su maquillaje corrido, como si alguien le hubiera arrojado un balde de agua o le hubiese puesto una tela húmeda sobre la piel, llama la atención y se lleva todos los premios desde el primer momento, con su risa macabra y su maldad innata.
Con sus ojos tan profundos que no provoca ya miedo sino una adrenalina incomparable y ganas de gritarle que vale la pena estar vivo.
¿Por qué hablo demasiado de él en este artículo? Este personaje se impone fuertemente y arrasa con el Batman que conocemos, el Guasón esta vez es el protagonista.
El murciélago enfadado y combativo sigue estando pero de manera más sumisa, relegada y secundaria. Ya los habitantes de Ciudad Gótica no lo ven con los mismos ojos, la cinta demuestra claramente que nada será igual. La gente lo tilda de delincuente mientras nadie, ni siquiera la policía, da a basto con las “travesuras” del hombre vestido de payaso.
Debatiendo acerca de la película con un colega mío de la facultad, ambos coincidíamos en que la cinta en sí es buena, sus efectos especiales son inmejorables (al igual que en la anterior), no aburre en ningún momento a pesar de su larga duración, el vestuario, maquillaje y fotografía son excelentes, pero la historia original está un tanto distorsionada. El hombre triste, calmado, del que nadie sabe de su existencia luego de la muerte de sus padres, se nos presenta yendo de fiesta en fiesta del brazo de hermosas mujeres. El Bruno Díaz del comic nunca fue así,
Tampoco la personalidad del Guasón es la misma, él nunca fue alguien sádico sino que se divertía haciendo maldades más sencillas e inocentes. Este Guasón hace volar miles de edificios poniendo la ciudad en llamas y sumiéndola en un caos. En esta cinta él se la pasa contando que su padre le hizo las marcas en su cara, mientras que en la historia original él sufre varias operaciones por una deformidad.
Jack Nicholson (el viejo Guasón) se enfureció cuando se enteró de que no encarnaría al personaje en esta nueva versión de Batman, y aunque la mayoría dice que esta nueva faceta es “espeluznante”, existe alguno que otro que piensa lo contrario. Coincido con la mayoría: Este Guasón es “excelente” y Heath Ledger más aún ya que me parece el hombre indicado para ponerle el rostro y darle vida a esta personalidad, que de ser tan maquiavélica causa gracia.
Por otra parte también aparece el famoso “Hearvy Dos Caras” (Aaron Eckhart). Esta aparición sí me parece fantástica porque se la anticipa desde casi el comienzo y pasa de ser un político y ciudadano ejemplar a volverse loco cuando asesinan a su prometida. Quizá aquí también podemos encontrar aspectos poco veraces con respecto a la trama original, pero este personaje está muy bien logrado en todo sentido y no es apto para impresionables.
A pesar de sus detalles en contra, la cinta es muy entretenida, muy bien lograda, cumple con las expectativas y los actores sobresalen. Pero la película tendría que haberse titulado: “El Guasón y su pequeño murciélago”.



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No tan distintos...

La versión cinematográfica de “Super agente 86” (“Get Smart”), dirigida por Peter Sigal, no es tan mala como los no fanáticos de la serie creían. Quizá por el parecido del actor con el legendario Dom Adams o quizá porque ésta producción tiene sus salvedades: humor sano aunque no muy parecido al de la tira, la figura torpe de Maxwell Smart que se conserva, así como también la de la agente 99, y si vemos su versión en castellano, nos deleitamos con la voz original de Jorge Arvizu, quien le dio vida en español al viejo agente. Para los fans de la antigua comedia, ésta cinta prometía mucho y ya sabían que estaría plagada de simplezas.
Sin embargo, la película no aburre en ningún momento, y si no provoca una carcajaga, al menos sí una sonrisa cómplice.
Figuras reconocidas como Steve Carrel, Dwayne Johnson y Anne Hathaway nos ofrecen una nueva alternativa “disfrutable” y más moderna.
La trama arranca con un Maxwell que todavía no es agente, y una 99 que cae del cielo para él. Juntos encarán la peligrosa misión de desbaratar el complot de KAOS, una especie de sindicato del crimen.
Un detalle que dista de la serie a mi parecer es el final de la cinta que es un tanto obvio, pero lo dejo a criterio del público. La ingenuidad en la 99 ya no está, pero sí su belleza y glamour que la caracterizan.
“The Rock” juega un papel secundario pero cómico, y no es raro verlo así luego de producciones como “Entrenando a papá”.
“El jefe” se ve bastante, participa de muchas escenas decisivas, además de un pequeño accidente causado por Maxwell casi al principio de la película. Luego él es quien los ayudará a encontrar al responsable de todos los problemas, que está muy cerca. Cabe destacar que en el programa el jefe jugaba un rol más pasivo, aquí se presenta como hombre de armas tomar.
Hubo otra película del super agente que, para los críticos, no fue digna de ver, y por eso quizá esté escondida por ahí y sea muy difícil de conseguir incluso en los videos especializados.
Realmente me sorprendio!.




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El otro Hulk

La segunda versión de “Hulk”, dirigida por Louis Leterrier, es muy distinta a la que vimos hace unos años atrás. De seguro el motivo se debe a las brillantes actuaciones de Edward Norton (Dr. Bruce Banner) y Liv Tyler (Dra. Elizabeth Ross) que a pesar de la distancia, y luego de un nefasto resultado de experimento, se siguen amando. Repasando la historia, sabemos que Bruce usó su cuerpo para probar el experimento Gamma, pero nada resultó como lo esperaba. A pesar de estar profundamente enamorado de Elizabeth, decide alejarse de ella para no lastimarla. En resumen, tal experimento arruina su vida y su carrera. Pero no es así como empieza esta versión, sino que pasa por alto estos detalles ya tan trillados y va hacia las partes más interesantes de la historia, que desde el principio viene movida.
La Dra. Ross ya tiene otra pareja, y Bruce vive en Brasil, país que usa como exilio y donde trabaja día a día para encontrar una cura para sí mismo. Al principio vemos a un “Hulk” calmado, que aprende a controlar su ira y que no se transformó por mucho tiempo.
El ejército de los Estados Unidos lo ha encontrado y lo persigue. Pero es difícil atraparlo ya que ahora es un ser mucho más fuerte y poderoso. Sin embargo, es capturado al fin. Cuando los soldados creen que tienen todo controlado, surge otro villano que comienza a destruir la ciudad. Aquí las imágenes hablan por sí solas.
Esta nueva versión de “El Increíble” tiene mucho más peso, contenido y forma. Está muy bien lograda, con efectos especiales inmejorables que la historia amerita, desde ya.
Desde su arranque es muy enérgica, no aburre en ningún momento y muy pocas veces deja respiro al espectador. La cinta pega un giro de 180 grados con respecto a la anterior, que fue más plana y se centró sólo en la historia básica, omitiendo puntos importantes y convirtiéndo la trama en lineal.
Recomendable para los fanáticos del comic y los locos de los superhéroes.
Hacia el final, una pequeña aparición sorpresa, sólo para entendidos!.




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Cámara en mano

Sólo por simple casualidad, este fin de semana vi dos películas de tópicos discímiles pero idénticas en su estilo. Una nueva forma de hacer cine se nos presenta inesperadamente, y quizás en un futuro arrase con los conceptos antiguos.
Hablamos de “cámara testigo”, “cámara subjetiva”, “cámara al hombro”. Este nuevo recurso se utilizó en estrenos como “El diario de los muertos”(George A. Romero) y “Cloverfield”( J.J. Abrams), que fueron filmados a partir del punto de vista de uno de los personajes, captando una realidad creada (porque lo que vemos no deja de ser ficción) y a la manera de un documental. Esto nos remonta a antecedentes como “El proyecto Blairwitch”, que para ese entonces, en mi caso particular, no tenía el ojo tan entrenado como para encontrarle su lado atractivo. Así vemos que esta manera de filmar no es nueva, pero ahora encuentra su mayor auge.
“El diario de los muertos” nos trae una historia “verídica” contada por un grupo de estudiantes de cine, en la que los zombies que cobran vida vuelven a ser los protagonistas. Es más de lo mismo, pero con la única diferencia de que los muertos reviven no por una plaga ni un experimento de laboratorio, sino por alguna razón inexplicable que no se llega a descubrir, es decir que la cinta tiene un final abierto.
Cloverfield, en cambio, trata sobre un monstruo a lo “Godzilla”, que ha llegado a la ciudad para destruirla por completo. La gente entra en pánico, evacúa sus viviendas, la policía se ocupa del desastre y todo queda ahí. Ese es el rasgo característico de ambas producciones, tragedias y muertes en vano pero sin un final determinado, y dejando entrever que la idea es “documentar para quien pueda ver el tape después del suceso, quien sea”.
¿Será que éste tipo de películas ha entrado al mercado cinematográfico por algún motivo en especial? ¿Es sólo llenarase los bolsillos recurriendo a un nuevo estilo que atraiga y cautive más al público, o es que se intenta realmente llegar a la gente y que ésta se contagie y haga sus propias cintas?.
A la hora de enfrentarse con los karmas de la sociedad (la violencia de todos los días, la pobreza, la desigualdad, las tragedias naturales, etc), cada uno decide “retratar” y captar el momento en el que se vive, como si fuera una fiesta de quince. El que filma tiene su rol: pase lo que pase él debe seguir con su cámara y no dejar de filmar. No suelta su filmadora para ayudar, sólo se comporta como un testigo ausente con un ojo frío. En este tipo de fimaciones de estilo periodístico, se aprecia mucho la personalidad de su director, la forma en que se expresa, cómo opina, sus jadeos y respiración. Por ello, no creo que el suceso en sí sea el protagonista principal, sino que lo es su “registrador”, ya que está inmerso en la historia y en cada situación, y la vive como todos los demás personajes.
Es impresionante cómo uno se queda perplejo e hipnotizado con las imágenes que se muestran, no por la película que se ve, sino por sus planos y escenas, y por el aporte que hace quien las crea. El mismo camarógrafo (aficionado o no) nos emociona y excita con la crudeza de sus tomas, la sencillez de su estilo, con sus movimientos involuntarios que a veces nos marean, con su respiración agitada, cuando la cámara se adapta perfectamente a cada paso que da. Es un interesante recurso a utilizar, siempre y cuando no se abuse de él, y no es mejor o peor que el tradicional, sino que es distinto.





http://www.cloverfieldmovie.com/


http://es.wikipedia.org/wiki/Cloverfield


http://www.abandomoviez.net/db/pelicula.php?film=4637


http://www.aullidos.com/pelicula.asp?id_pelicula=1079

El malo es malo y el bueno es bueno

“La naranja mecánica”(A Clockwork Orange) es una novela de Anthony Burgess, publicada en 1962 y adaptada por el director Stanley Kubrick en la película homónima aparecida en 1971 y re-estrenada en 2000. Transcurre en la ciudad de Londres, donde un grupo de jóvenes pasan sus días cometiendo los crímenes más aberrantes contra los habitantes del lugar. Desde golpear a vagabundos, hasta violaciones, robos e invasión de vivienda.
Estos chicos no concurren a clase, viven de noche y duermen de día, y son fanáticos del sexo desenfrenado.
Su jolgorio finaliza cuando la policía detiene a Alex (Malcolm McDowell), líder de la banda, quien encerrado en una especie de hospital psiquiátrico, es sometido a un tratamiento intensivo llamado “Efecto Ludovico”, para curar su enfermedad. Según los médicos, éstas técnicas darán resultado en un futuro cercano, haciendo que la persona más desquiciada se convierta en un ciudadano modelo y un excelente ser humano, hasta que el matar, violar o robar le causen vómitos. Por eso la película puede provocar un interesante debate en los ambitos psicológico y psiquiátrico, y un comentario social acerca de la ciudad futurista distópica que se muestra en ella.
¿Pero darán realmente resultado estos procedimientos en un adolescente con éstas características innatas tan fuertes?. La pregunta es contestada al final de la película, pero no deja absolutamente ninguna moraleja positiva, sino que propicia la imaginación de los jóvenes que buscan contentarse viviendo su vida al revés del resto, enfrentándose con sus padres y aparentarentando todo el tiempo ser otra persona, con el fin de no ser descubiertos.
Así es todo el film que para su época seguramente habrá resultado original, pero que carece de contenido moral o costado bueno, cuyo sostén son los actores, quienes nunca fueron vistos en otras producciones. Asi que como moraleja sólo se puede decir que “es mejor ser malo por voluntad que bueno por obligación” y que el carácter no varía con métodos cientificos ni hospitalarios.
Las actuaciones no se lucen demasiado ya que los roles que se presentan no son muy elaborados, excepto el de Alex, el principal protagonista, quien fue realmente muy bien escogido para su papel. Su mirada, gestos y palabras nos recuerdan a un joven loco de remate y criminal de la época. Sus ojos celestes y profundos realmente cautivan, y su mirada de satisfacción ante los crímenes que comete no tiene igual.
Se destaca además la bella música clásica que es escuchada durante las escenas violentas (Alex es fanático de Beethoven), para que así, tiempo después, cuando el espectador oiga esta música, la asocie con las imágenes del filme como perfecta contraposición entre armonía y desorden. Fuera de estos dos puntos, el resto de la película deja mucho que desear, aunque seguramente habrá algunos detalles brillantes cinematográficamente hablando.
El film también causó controversia y no fue permitida su exposición en el Reino Unido. Para el tiempo de su re- estreno, ya había ganado una reputación de “clásico de culto”. Muchos críticos y aficionados la consideran como una de las mejores películas jamás hechas. Sin embargo, el film ha sido criticado por su violencia excesiva y la falta de humanidad, por grupos moralistas y religiosos, pregonando que sirve como un pésimo ejemplo de ideal de comportamiento para la actual juventud ávida de referentes en que basarse. Por esto, Kubrick pidió a la Warner Brothers retirar la cinta del Reino Unido.
A pesar de todo esto, esta producción fue nominada al Oscar en varias oportunidades: mejor película, mejor director, mejor montaje y mejor guión adaptado.



No he calificado esta producción porque tiene tantos puntos a favor como en contra.

Para tener en cuenta y saber más, hay un documental también sacado por Warner Brothers: Stanley Kubrick: una vida en imágenes (2001).

El irrompible

“Iron Man” (“El hombre de hierro”), el famoso personaje de las historietas leídas por grandes y chicos y producto de la Marvel Comics, llega a la pantalla grande para brindarnos una producción realmente extraordinaria, plagada, como se supone, de efectos más que especiales.
Esta historia, dirigida por Jon Favreau, no es futurista y toma como protagonista a Anthony Stark (Robert Downey Jr.) , un reconocido millonario que se hizo en el oficio de fabricar las mejores armas gracias al legado de su padre. Lo interesante de la película comienza cuando este personaje es secuestrado por tropas israelíes que lo obligan a armar una de las tantas creaciones de su empresa: un misil anhelado por todo ejército para una derrota implacable contra el enemigo.
En cautiverio durante tres meses, Stark complace a sus captores pero planea un fuga de seguro exitosa. Para ello tendrá que construir una suerte de armadura de hierro que le permita atravesar muros y hacer rebotar balas.
Una vez que sale airoso de la fuga, la cinta continua de manera espectacular con giros sorpresivos y un toque de humor. La vida de este famoso empresario se empieza a complicar cada vez más en vistas de un proyecto que tiene en mente para ejecutar a la brevedad. Este consiste en recrear el modelo de armadura que utilizó para su escape y cambiar radicalmente su vida. De ser una persona totalmente fría y ambiciosa, se convertirá en alguien que desea hacer el bien más que cualquier cosa en el mundo, dejando de lado la producción de armas.
Como toda trama de “poderes ocultos” y “héroes modernos”, el film gira sobre la idea de que lo que le sucede a una persona, sea bueno o malo, siempre desemboca en querer hacerlo realidad y que el mundo se entere de ello. Esto no dista mucho de la gente común, quienes buscan constantemente la superación y la identificación con estos personajes, creyendo que sus vidas serán mejores algún día, como le sucede a ellos.
Efectos de primera calidad, sonido inmejorable, actuaciones muy buenas (hay que destacar el rol de Virginia “Pepper” Potts, su secretaria personal, encarnado por la bellísima Gwyneth Paltrow). Perdidamente enamorada de su jefe a escondidas, no tiene otra vida que estar a su lado y lo apoya en cualquier decisión que tome sin importar cual sea.

Excelente idea original por parte de los creadores, va más allá de un simple superhéroe de época, y deja un mensaje interesante.
Para ver exclusivamente en cine sin excepciones, disfrutando de las excelentes imágenes 3D y de una historia muy entretenida.




--- SI ---

La casa de los niños tristes...

Llegada de España, “El orfanato” es la escalofriante historia de Laura (Belén Rueda), madre de Simón (Roger Príncep), un niño muy extrovertido y con problemas psicológicos severos, tales como inventarse amigos imaginarios. Laura ha encontrado el hogar ideal para su familia, un lugar muy especial que le trae muchos recuerdos, una casa gigante con muchas habitaciones que antes funcionaba como albergue para ochos chicos huérfanos, entre ellos la protagonista, quien pretende revivir su época allí habilitando la casona de nuevo.
Pero no todo será color de rosa para esta familia. Hechos extraños comienzan a tomar lugar y su hijo desaparece un día sin rastro alguno. Al principio no quiere creer en lo que se presenta frente a sus ojos, pero poco a poco se irá dando cuenta de todo por sí misma gracias a “signos” en el interior de la casa, lo que la conduce a una terrible y penosa verdad.
Esta creación de Guillermo Del Toro y J. A. Bayona[1] como director, cuanta con efectos interesantes, con una trama de misterios y aparecidos que causa esa sensación de acurrucarse en la butaca del cine y taparse los ojos por miedo a lo que vendrá. Con un guión muy interesante, esta película deja atónito a cualquiera y hace creer en lo increíble, los hechos están ahí pero sólo hay que saber verlos e interpretarlos.
Agregando un poco más, escenarios interesantes de tonos grisáceos recrean la verdadera idea de la cinta, con exteriores naturales, como el jardín del orfanato, y una playa y gruta cercanas. Impresionante y emotiva por donde se la mire, cargada de un dramatismo feroz que da una puntada al corazón. Muy precisa, original y en ocasiones tierna.

--- SI ---

[1] Director de dos cortometrajes premiados: “Mis vacaciones” (1999) y “El hombre esponja” (2002).

Filmoteca para todos

Con este nombre Canal 7 le da cuerpo a un espacio dedicado enteramente a los cinéfilos del cine clásico. Se emite de lunes a viernes a la 1:30 de la mañana, con conductores críticos y coleccionistas como Fernando Martín Peña y Fabio Manes.
De diversos géneros, los films que muestra este ciclo hacen un recorrido por los comienzos del séptimo arte de los hermanos Lumière, filmado en blanco y negro, hasta llegar a películas clásicas en color de años posteriores.
El martes me di el lujo de disfrutar una de estas tantas obras maestras: The Terror (“El Terror”) de 1963, dirigida por Roger Corman. Como su nombre lo indica, el film honra el cine clásico de misterio e intriga, y cuenta con actores reconocidos para su época, tal es el caso de Boris Karloff, famoso por aparecer en producciones de este tipo. Aquí encarna al Conde Von Leppe, quien posee un inmenso castillo donde hechos misteriosos ocurren frecuentemente.
También hay una presencia muy curiosa en el film: un Jack Nicholson muy joven, morocho y esbelto que interpreta a Andre Duvalier, un soldado de Napoleón que se topa con este conde en busca de algunas respuestas frente a lo ocurrido. Se hospeda por un día en la mansión y devela la verdad junto con Stefan, el mayordomo del lugar.
Sandra Knight encarna a una extraña y bella joven que anda rondando en la noche, que aparece y desaparece inexplicablemente. ¿Por qué?... eso es lo que a Duvalier no lo deja dormir.
Esta producción cuenta con nombres de directores muy reconocidos como Martin Scorsese, Francis Ford Coppola y el mismo Jack Nicholson aportando ideas.
Esto es lo que más se destaca de este film tan sencillo. Tal vez se espera mucho más de él, pero no hay que prestarle tanta atención a su trama, sino a su composición y sus actuaciones, teniendo en cuenta que no tiene nada que ver con el cine de estos tiempos. No esperen encontrar una obra maestra de Spielberg, sino una sencillez clásica que nos remonta a una época en la que este tipo de películas eran las mejores.
Son muy interesantes estos años del cine y es muy importante que el que pueda se empape de sus temáticas constantes como son monstruos, aparecidos, etc.
Un espacio para que los cinéfilos abran la cabeza a otras opciones.

La agonía no es mala

“Antes de partir” (“The Bucket List”) de Rob Reiner, es una conmovedora historia de dos enfermos terminales, el profesor de filosofía Chambers (Morgan Freeman) y el multimillonario Edward Cole (Jack Nickolson), que se proponen pasar los últimos meses de su vida de la mejor manera. Todo comienza cuando a Chambers le avisan de su enfermedad y una vez internado, se encuentra con este empresario reconocido , dueño del hospital y quien se convertirá en su compañero de aventuras.
Al conocerse mejor, estos dos hombres deciden hacer una lista con promesas a cumplir. Entre ellas está el gran viaje que nunca pudieron hacer. Lo que sigue es una serie de divertimentos que provoca que estos dos compañeros de cuarto se cuenten historias e intenten sacarle el jugo a sus días con un motivo más para vivir.
Cargada de emoción, risa y profundidad, este film saca lo más triste de padecer una enfermedad de este tipo y cómo enfrentarla con la mejor cara.
La película nos lleva a pensar que es preferible hacer ahora aquello que de alguna manera tenemos pendiente en la vida, y que quizás no podamos hacer nunca. La cinta nos mueve a decir: “Ahora es el momento, después puede ser demasiado tarde”.
Los personajes cautivan y provocan cierta compasión, además de hacer surgir el pensamiento de “vivir cada minuto de la vida como si fuera el último”.
Con diálogos emotivos, un toque de simpatía, humor e ironía, la cinta promete éxito, gusto y complicidad por parte del publico y una esperanza inusitada por el futuro. Se puede decir que los personajes son muy optimistas con respecto a su estado y afrontan cada decisión o momento difícil con una sonrisa. Estos dos hombres son un ejemplo de lucha y determinación.
Chambers se enfrenta a su mujer para cumplir con su meta, porque en momentos así, lo único que importa es él mismo y su compañero, tratando de que cada día no sea un padecimiento y una carga sino una alegría por despertar vivo cada mañana.
En resumen, el film es tan dulce como amargo, tan simple como emotivo y tan profundo que no deja lugar a la frialdad ni superficialidad.



--- SI ---

Una punzada al pecho

Lo conmovedor de “El jardinero fiel” es que se basa en hechos reales y muestra la terrible situación que viven los habitantes de África. Las poblaciones más humildes sufren de desnutrición y son víctimas de un manejo político que provoca muchas muertes. Toda una matanza de gente inocente y no hay culpables.
Tessa (Rachel Weisz) es una joven revolucionaria que viaja a ese país para investigar tales sucesos, pero su vida comienza a correr peligro. Una tarea placentera se convertirá en un calvario.
Su marido Justin (Ralph Fiennes) es un hombre sencillo y ejemplar que la apoya y acompaña en su labor. Él intentará proteger a su esposa como sea tratando de alejarla de tantos riesgos.
Un clima tenso, plagado de mentiras, secretos y peligros deja al espectador indignado y sin habla.
La trama de ésta película se sostiene sobre la base de una profunda crítica hacia el gobierno africano y la impunidad que reina en el país. Cada personaje guarda un dramatismo que en este caso es vital y sertero para el desarrollo de una historia de estas características.
Su director, Fernando Meirelles, dio en el blanco con este film aportándole un estilo particular, ya que ésta es una pieza del cine británico y eso se nota a la legua. Los escenarios, las participaciones especiales y la música se conjugan perfectamente y van inoculando al público la temática recurriendo a giros, escenas y expresiones.
Realmente una producción como pocas, con actores inmejorables, que deja un gusto amargo en la boca pero con realimo puro.




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Eran otras épocas...

“10.000 a.C” comienza con el relato en primera persona de la historia de una numerosa tribu y en especial, de dos de sus integrantes: D’Leh (Steven Strait) y Evolet (Camilla Belle)[1], que desde chicos ya su futuro había sido premeditado. Estos dos jóvenes enamorados tendrán que enfrentar bestias prehistóricas, tribus muy peligrosas y recorrer largas distancias para defender su amor y honor.
D’Leh siempre estuvo enamorado de ella y su objetivo en la vida era ganarle a todo para quedarse con su corazón por mandato divino. Su padre había partido hacía unos años y él siempre lo llamó cobarde, porque así se lo hicieron creer. De este modo, este joven comenzó descubriendo aspectos de su vida que jamás imaginó, mientras Evolet era capturada por un grupo de maleantes que pretende ponerla como esclava en la famosa Ciudad del Dios.
Esta trama intrincada resulta ser muy entretenida para gente de todas las edades y la película dura el tiempo justo. La idea central del film es clara, y así también su mensaje. En esta cinta no sobra ninguna imagen, por lo que si se le sacara alguna, ya no se entendería gran parte de la misma.
Se puede decir que su director Roland Emmerich (“Día de la Independencia/”El día después de mañana”), combinó la acción de las buenas peleas, con los efectos 3D para los animales, las actuaciones sobresalientes y un canon de vertiginosidad para dar nacimiento a esta gran aventura.
Muy bien ambientada, grabada en escenarios naturales para los exteriores y excelente la manera de plasmar la historia y llevarla a una época que es bastante difícil de recrear.
La película logra su cometido; un poco de historia y cultura, mezclado con la aparente veracidad de los hechos y lo salvaje del momento.
Realmente para disfrutarla en cine, una película muy profunda, con planos y dinámica extraordinarios al mejor estilo “Apocalypto”.
10.000 a.C le debe su nombre a la gran época en que tanto el hombre como el animal eran salvajes y recorrían juntos las grandes tierras. Una época en que se forjaron las grandes creencias e ideas que se verían reflejadas en la humanidad posterior.
Una producción con todas las letras. Muy buena.

[1] Aunque se piense que Camille Belle no es una actriz conocida, ella estuvo en varios films. Pero seguramente se la recordará más en una pequeña escena de “The Lost World: Jurassic Park”, en la que era devorada por pequeños dinosaurios en la playa de la isla mientras su madre gritaba.

--- SI ---

Una bestia a base de formol

“The Host”, una producción surcoreana dirigida por Bong Joon-ho, narra la historia de Song Kang-ho (Park Gang-du), un padre humilde a quien le fue secuestrada su hija por una horrible criatura que vive en el río Han de Seúl pero que sale a la ciudad a capturar y comer gente.
El padre y hermanos de este hombre lo ayudarán en la lucha contra la bestia antes de que acabe con su hija.
Él continúa buscándola porque presiente que sigue viva pero nadie le cree.
Al tener contacto con el animal Song se infecta y por eso es sometido a una serie de estudios médicos y científicos, por lo que la lucha por su niña se detiene momentáneamente. Sin embargo, un padre desesperado no puede esperar y decide escaparse y continuar la búsqueda.
Al decir verdad, la película está bien hecha y contiene efectos bien logrados que la acompañan. Pero a pesar de esto, no cuenta con un contenido profundo. La trama es débil, un tanto cómica y nos recuerda a la famosa “Godzilla” en algunos de sus detalles aburridos.
Los actores no sobresalen mucho. Es que en un film de estas características tampoco hay que esmerarse demasiado.
Una película simple, sin giros interesantes, una producción regular y muy predecible.



--- NE ---

El barbero diabólico

“Sweeney Todd” es el nombre que Tim Burton eligió para Jonnhy Depp a la hora de llevar la famosa ópera de Stephen Sondheim llamada igual a la pantalla grande.
Esta cuenta la historia de Benjamín Barker, el mejor barbero de la ciudad. Un personaje lúgubre, macabro y morboso que se convirtió en lo que es debido a que el juez Turpin (Alan Rickman) le quitara su familia hace 15 años. Sweeney es un seudónimo escogido por el mismo Barker para ocultar su verdadera identidad.
La venganza, las ganas de conseguir cierta satisfacción y un enojo que no lo deja dormir son los rasgos principales de un hombre que pasó mucho tiempo en prisión injustamente. De vuelta en Londres, instala junto a su amiga y vecina la Srita. Lovett (Helena Bonham Carter), un negocio que les saldrá redondo: él arriba en su barbería decapitando gente, ella abajo recibiendo los cuerpos muertos y alimentando a millones de ciudadanos con su carne.
Pero lo que hace que éste film sea verdaderamente atrayente son sus excelentes actores y participaciones especiales, el vestuario y peinado junto con el maquillaje (un pálido escalofriante a lo “Drácula” envuelve los rostros de los personajes), y los escenarios. Burton sabe cómo causar diferentes efectos a los espectadores con su marca característica: una ciudad sombría, llena de pobreza, sin sol, con chimeneas humeantes y calles oscuras. Allí es donde nacerá el crimen, se derramará sangre y el barbero tendrá al fin justicia.
Al ver a Johnny en acción, es inevitable que nos remontemos a aquel “Joven manos de tijera” con el pelo oscuro revuelto, cara pálida, ojeras y traje negro. Depp encaja perfecto en los personajes de Burton, ya que es su actor fetiche.
El film cuenta con toques de humor negro y mucha sangre (ésta es demasiado roja al mejor estilo Burton, y da una sensación de irrealidad), pero además tiene sus vueltas alegres, coloridas, anecdóticas y sentimentales.
A pesar de contar con diálogos hablados, la película es en su mayoría cantada, lo que se esperaba de un director que quiera reflejar la obra íntegramente. Esto no le resta puntos a la cinta pero quizás los espectadores esperan ver otra cosa cuando se sientan en la butaca. Igualmente, Burton hizo de la ópera una verdadera obra de maestra.
Excelente por donde se la mire!(salvo en el tema de la sangre). Johnny Depp increíble!



--- SI ---

Animación hecha carne

“Hitman” de Xavier Gens está basada en el tan conocido video juego del agente 47 (Timothy Olyphant), un asesino por encargo que nunca llega a develar su nombre y que fue genéticamente modificado para convertirse en lo que es. Él ha sido entrenado desde chico para el oficio de matar, pero no por el simple hecho de hacerlo, sino por motivos más que personales.
En este caso se le encomienda matar al presidente de Rusia pero en el camino se encuentra con varias piedras que le impiden cumplir con su deber. Aparecerán varios personajes que no le harán las cosas tan fáciles. Entre ellas se encuentra Nika (Olga Kurylenko) quien se involucra más que laboralmente con él. Como su rehén, ella tolera sus desaires y sus rechazos, pero a su vez él debe protegerla. Lo que no quiere es enamorarse, debe hacer su trabajo sin que nadie le nuble la vista y para eso tiene que ponerse en su papel de insensible y frío. Ella es víctima de los custodios del presidente que la buscan sin cesar por haber sido pareja del político. Mientras él no muera, ella seguirá estando en peligro.
Así se desencadena esta historia que combina adrenalina, acción y entretenimiento, y deja pocos momentos de respiro al espectador. Las escenas atraen por sus efectos y movimientos, pero la película no deja de ser más de lo mismo con un actor cuya cara se vio por primera vez en Scream 2, interpretando al asesino serial.
La destreza, precisión y rudeza del personaje nos hacen acordar a un “Duro de matar” o un “Bourne” que en ocasiones no tiene escrúpulos, que nada lo perturba, nada lo frena y nadie lo descubre. Esto es lo más sobresaliente, un actor joven medio desaparecido con un nuevo look, caracterizado a imagen y semejanza de los grandes héroes del cine moderno.
Un film para disfrutar lúcidamente pero no necesariamente en cine. Puede esperar para ser visto en pantalla chica.


--- NE ---

Todos tenemos algo que esconder

“El apetito ha vuelto al cerebro del Sr. Brooks…. Realmente nunca se fue”.
Este es el comienzo de una trama intensa y atrapante. "Mr. Brooks", de Bruce A. Evans, involucra a Earl (Kevin Costner), un hombre brillante, homenajeado por todos, dueño de una gran empresa y una familia envidiable. Su vida sería perfecta de no ser porque esconde un gran secreto que le impide dormir tranquilo.
Sumido en su adicción, cada semana concurre a un grupo de ayuda por su enfermedad pero de nada le sirve, porque su conciencia le habla todo el tiempo y le hace cometer siempre el mismo error.
El destino de este hombre arrepentido se cruzará con el de un fotógrafo aficionado (Dane Cook) que sabe demasiado sobre su vida. Así se da una especie de “chantaje psicológico” del que Brooks intentará escapar como pueda.
Por otro lado, la detective Tracy (Demi Moore) lo investiga exhaustivamente sin saber ni siquiera quien es, e intentará detenerlo como sea.
Paradójicamente, la personalidad de Brooks se desdobla y nos muestra varias facetas. Afortunadamente, él se da cuenta de sus delitos convirtiéndose en un hombre como pocos.
El drama, la intriga y el engaño son los principales protagonistas de esta historia con actuaciones sobresalientes y un diálogo profundo.
El film paraliza al espectador haciéndolo reflexionar acerca de los errores humanos, la aceptación de los mismos y el sacrificio por intentar cambiarlos en una sociedad que no ayuda mucho.
Trama y argumento originales, reflexivos y entretenidos, que tal vez no dejan un agradable sabor de boca para algunos, pero que nos mueve a pensar a todos… y muy seriamente.


--- SI ---

Un futuro aterrador

“Soy leyenda”, dirigida por Francis Lawrence, es una atrapante concatenación de sucesos desafortunados para Robert Neville (Will Smith), quien está doctorado en química y enrolado en el ejército desde hace años. El film se basa en la novela de ciencia ficción escrita por Richard Matheson en 1954. Neville se ha quedado completamente solo en la desolada Nueva York debido al virus “Krippin” que ha arrasado con cualquier cosa viviente que haya existido. Esta oportunidad que le dio la vida (o Dios) de ser un sobreviviente, es para él una bendición y al mismo tiempo un castigo. Neville vive solo con su mascota Sam, por las noches no sale y duerme poco, y tiene que lidiar con su soledad cada día. Su vida se basa en eso, en la subsistencia, el valor para salir, la fortaleza y los recuerdos sobre su familia.

Así comienza este inquietante film que combina las características de un excelente thriller con la ciencia ficción y el futurismo, y trae consigo algunas sorpresas. Neville a su vez intentará encontrar la cura para este virus que no es mortal pero sí feroz, experimentando con animales de laboratorio, para que la humanidad no se extinga (si es que hubiera otro ser en la tierra).
La película nos muestra la cara de lo que podría llegar a ser el mundo en un futuro no tan lejano. Si bien hoy en día somos testigos de los avances en la tecnología y las comunicaciones, esto es un arma de doble filo ya que no estamos ajenos a aberraciones y errores científicos. Este es el resultado que se muestra en el film: “algo salió mal, nada resultó como se había planeado”.
Excelentes efectos especiales y en 3D, muy buena actuación de Will Smith y la trama, aunque muy parecida a otras de su género, es sobresaliente porque conserva rasgos originales. Demás está decir que es para verla exclusivamente en cine (sin excepción) e incluso varias veces.


--- SI ---

La historia de una abeja

“Bee Movie” (nominada al Globo de Oro por mejor película animada y producida por Jerry Seinfeld) es la historia de Barry, una simpática abeja macho que tiene un deseo entrañable de cambiar su estilo de vida y conocer cómo viven los humanos. Para eso tendrá que salir al exterior de la colmena y descubrirlo por sí mismo haciendo frente a las leyes de las abejas. Ambas cosas traerán consigo muchos peligros.
La trama es más bien infantil, pero como siempre se dice, los grandes también tienen la oportunidad de divertirse un buen rato. Es interesante desde el punto de vista de lo ficcional, ya que cuenta con la originalidad de la idea y el tema, y muestra de manera imaginaria la rutina de estas cazadoras de polen. Cada una desempeña una función determinada dentro de la ciudad colmena y hay una sorprendente organización de tareas.
El estilo de las películas animadas es el de crear mundos ficticios y convertirlos en historias reales destinadas al público “bajito”. Vemos constantemente la relación entre los humanos y animales e insectos que hablan , tratando de resolver problemas de manera racional, entendiendo al máximo el comportamiento de los que no son de su especie y descubriendo mundos sorprendentes, llenos de misterios y riesgos.
Por eso, en este sentido, se puede decir que el film es más de lo mismo, pero como se mencionó anteriormente, no deja de lado su esencia ni características propias.
Aunque por momentos no es tan entretenida, es una buena opción para los chicos. Graciosa y expresiva, reivindica la figura de las abejas malas y “picadoras” y las convierte en amigas del hombre y necesarias para su supervivencia.



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